Пастельный пленэр с ольгой абрамовой. Хрупкие чары пастели Работа пастелью подобна волшебству, т.к

"Жизнь имитирует Искусство куда больше,
чем Искусство - Жизнь".
Оскар Уайльд

"Все началось давно. И никто из моих знакомых не помнит то время, когда мои пальцы были одинакового цвета. Это все из-за волшебной коробки с пастельными мелками, которая досталась мне в скромное наследство от папы. Много лет я растираю пастель по тонированным листам, оставляя часть ее на себе, а часть себя на бумаге..."

Солнечные оливы (пастель,уголь,картон)

Рисую, в основном, сухой пастелью. У меня нет какой-то особенно выделенной темы, с которой я работаю годами. Жизнь интересна своим непостоянством.

Знаете, в рисовании есть один прием - "Рисуй так, словно за тобой гонятся". Я часто пользуюсь этим советом, когда хочу нарисовать интуитивную и динамичную работу полную импровизации и неожиданностей. Такие картины словно наполнены жизнью и ее изменчивостью.

Фигерас

Васильковое поле

Когда я думаю о картинах и пространстве, в котором хочется их показывать, то мне видится пространство легкое, открытое, без дополнительной информационной нагрузки. Каждая картина - это пережитое событие. Через художника это событие проходит, как через фильтр и в итоге получается образ, который может быть далек от действительности и при этом соприкасаться с ней.

Живое, очень пластичное искусство... Картина, как танец, который не надо долго готовить, а можно просто слушать себя, своё тело, свою душу... Живая красота!

Океан

Побережье

Потоки. Долина семи озер

Потоки

Магия случайности

У меня был период, когда меня вдохновлял цвет - я видела сложнейшие оттенки и хотела показать их. Я обнаружила, что много необычных цветовых сочетаний есть, например, в цветах и стала исследовать их. Иногда я рисовала просто пятна цвета, слегка добавляя форму, иногда сильно увеличивала размер, чтобы понаблюдать за каким-нибудь сочетанием. Я создавала облако цвета на картине и потом лепила в нем форму, получались очень красивые, утопающие в воздухе работы. Эти исследования очень помогли мне понять, какие цвета как взаимодействуют, какие производные из них получаются, и какие эмоции эти цвета вызывают.

Вызвать своей картиной эмоцию. Какую?.... В моем случае это были: ощущение пространства, мягкости, наполненности и в тоже время легкости. Через некоторое время поисков получилась вот такая работа, как финал в этом поиске.

Фарфоровая орхидея Поляна

Через сады Тосканы

Красный цвет редко появляется в моих картинах, но когда это случается, то в мастерской пульсирует все пространство. У этого цвета удивительная особенность создавать вибрации, яркие, земные. Вокруг начинает все двигаться и оживает: увеличивается количество звонков, друзья хотят общаться или приехать в гости. Магия!

Боярышник

Кенозерье. Розовый луг

Камни

Иллюзии пустоты. Между небом

Иллюзии пустоты

В чем разница между ящерицей и драконом? Говорят, рожденный ползать летать не может. Да, но... Рожденный с крыльями да не утерпит. Есть такое чувство, когда снова ничего нет и земля ушла, тогда что остается? Так только взлететь. И да будет небо прекрасно!

Дракон

Мифы Севера. Никийя - Лунная Дева

Мьеликки - хозяйка леса, жена Тапио. Хранительница "ключей" от кладовых и лесных амбаров. Имя образовано от слов: мысль, желание, настроение. На русский язык переводится как "желанная", "милая"

Кто не в курсе - это сухая пастель Schmincke - одна из моих любимых.

Недавно ко мне из магазина для художников "Передвижник" приехали такие мелки для тестового рисунка.

Эта пастель отличается от всех редкой палитрой сложных цветов, мягкостью, хорошим сцеплением с бумагой и стойкостью цвета.

Она не из дешевых, поэтому начинающему художнику решить эту проблему можно, покупая поштучно только те цвета, которые необходимы в работе, а основную палитру можно собрать из более дешевых марок пастели. Ну, а профессионалы поймут мои предпочтения, у меня в коробке ее достаточно.))

Эту пастель возит к нам в Москву магазин "Передвижник", там можно купить всю эту красоту поштучно, что для меня гораздо интереснее, чем набор.


Имея большую палитру различных мелков, перед началом работы я всегда выбираю в отдельную коробку ту гамму, с которой собираюсь работать. Это около 20 - 30 мелков, основных и дополнительных цветов.

Когда очень хочется порисовать какой-то цвет, то я берусь за форматы побольше, и мягкие мелки Schmincke для этого очень подходят. Можно рисовать размашистыми мазками, смешивая насколько мелков вместе для неожиданных переходов одного цвета в другой.

В этой статье я покажу вам несколько стадий работы над картиной.

Ирис, 65х50
Бумага, пастель

Первая стадия. Да, она у меня выглядит вот так. Я не делаю предварительных рисунков, а рисую форму сразу пятнами, по ходу корректирую детали, добавляю линии.

Большими пятнами создаю приблизтельную композицию картины. Конечно же, эту композицию я уже продумала заранее и держу ее в голове.

Несмотря на большую и разнообразную палитру из разных марок пастели, для первых слоев я почти всегда беспощадно использую пастель Schmincke, она прекрасно подходит для больших работ и создает сложные цветовые переходы первого слоя.
Начальная стадия работы задает и ритм, и цвет всей картины. Если эта стадия получилась, то дальше работа рисуется сама.

Я, конечно, утрирую, но первый слой, действительно, важен.))

Начинаю добавлять детали. И тут, неожиданно, - солнце!

У меня очень солнечная мастерская, что формирует мой график работы. Солнце часто мешает рисовать, меняется контрастность и восприятие цвета, поэтому я ценю пасмурные, туманные дни, когда свет идеален для работы с пастельными картинами. Но для съемок и настроения солнце незаменимо.))

Бывают такие картины-трансформеры, они не рисуются с первого раза, а изменяются по ходу работы. Меняется динамика, цвет, настроение, и в этот раз именно такая история. Я так соскучилась по графике, что не стала глубоко продумывать работу и ждать отклик, а решила сразу пустится в тесные взаимоотношения с цветом.
Формат был очень удачный, большой, как раз для Шминке, но я бы и еще больше взяла, чтобы насладится сложными серыми и синими.

Но что-то пошло не так - цвет возникал на поверхности бумаги, потом появлялось солнце в студии, потом свет исчезал и синий все время менял свой оттенок. Я гналась за ним и, в итоге, к вечеру получила готовую работу, которая нарисовалась так, как хотела сама.))

Теперь нужно скорректировать гамму после яркого солнца и посмотреть на детали композиции.

Основные цвета в картине.
098 - neutral grey 076, 078;
091 - grey blue;
090 - grey violet 077, 079;
095 - cold grey;
061 - phthalo blue deep 073, 077, 079;
062 - ultramarine light;
064 - cobalt blue tone;
066 - Prussian blue;
013 - ochre light 069, 079
Вторая часть номера означает светлоту цвета: чем выше номер, тем более светлый тон.

И финал. Готово!

Рисуя эту работу, я не поленилась снять 32 стадии ее трансформации, целый мультик получился. Но вам показала только несколько.
Работаю я, в основном, на бумагах и картонах фирмы CANSON. Эту работу я рисовала на бумаге Mi-Teintes серого цвета.

Все, ушла рисовать.))

"Рисуй так, словно за тобой гонятся"..... Художник Ольга Абрамова

"Жизнь имитирует Искусство куда больше,

Чем Искусство - Жизнь".

Оскар Уайльд

Все началось давно. И никто из моих знакомых не помнит то время, когда мои пальцы были одинакового цвета. Это все из-за волшебной коробки с пастельными мелками, которая досталась мне в скромное наследство от папы. Много лет я растираю пастель по тонированным листам, оставляя часть ее на себе, а часть себя на бумаге..."

Солнечные оливы (пастель,уголь,картон)

Рисую, в основном, сухой пастелью. У меня нет какой-то особенно выделенной темы, с которой я работаю годами. Жизнь интересна своим непостоянством.

Знаете, в рисовании есть один прием - "Рисуй так, словно за тобой гонятся". Я часто пользуюсь этим советом, когда хочу нарисовать интуитивную и динамичную работу полную импровизации и неожиданностей. Такие картины словно наполнены жизнью и ее изменчивостью.

Фигерас

Васильковое поле

Когда я думаю о картинах и пространстве, в котором хочется их показывать, то мне видится пространство легкое, открытое, без дополнительной информационной нагрузки. Каждая картина - это пережитое событие. Через художника это событие проходит, как через фильтр и в итоге получается образ, который может быть далек от действительности и при этом соприкасаться с ней.
Живое, очень пластичное искусство... Картина, как танец, который не надо долго готовить, а можно просто слушать себя, своё тело, свою душу... Живая красота!

Океан

Побережье

Потоки. Долина семи озер

Потоки

Магия случайности

У меня был период, когда меня вдохновлял цвет - я видела сложнейшие оттенки и хотела показать их. Я обнаружила, что много необычных цветовых сочетаний есть, например, в цветах и стала исследовать их. Иногда я рисовала просто пятна цвета, слегка добавляя форму, иногда сильно увеличивала размер, чтобы понаблюдать за каким-нибудь сочетанием. Я создавала облако цвета на картине и потом лепила в нем форму, получались очень красивые, утопающие в воздухе работы. Эти исследования очень помогли мне понять, какие цвета как взаимодействуют, какие производные из них получаются, и какие эмоции эти цвета вызывают.

Вызвать своей картиной эмоцию. Какую?.... В моем случае это были: ощущение пространства, мягкости, наполненности и в тоже время легкости. Через некоторое время поисков получилась вот такая работа, как финал в этом поиске.

Фарфоровая орхидея

Поляна

Через сады Тосканы

Красный цвет редко появляется в моих картинах, но когда это случается, то в мастерской пульсирует все пространство. У этого цвета удивительная особенность создавать вибрации, яркие, земные. Вокруг начинает все двигаться и оживает: увеличивается количество звонков, друзья хотят общаться или приехать в гости. Магия!

Боярышник

Кенозерье. Розовый луг

Камни

Иллюзии пустоты. Между небом

Иллюзии пустоты

В чем разница между ящерицей и драконом? Говорят, рожденный ползать летать не может. Да, но... Рожденный с крыльями да не утерпит. Есть такое чувство, когда снова ничего нет и земля ушла, тогда что остается? Так только взлететь. И да будет небо прекрасно!

Дракон

Мифы Севера. Никийя - Лунная Дева

Мьеликки - хозяйка леса, жена Тапио. Хранительница "ключей" от кладовых и лесных амбаров. Имя образовано от слов: мысль, желание, настроение. На русский язык переводится как "желанная", "милая"

Натура

Ольга выбрала вот такой прекрасный вид на домик и яблоневый сад на холме у реки. Комментарии тут излишни, кроме того что изначально в работе погода предполагалась пасмурная и загадочно туманная, а не солнечная как на фото, поэтому не удивляйтесь, что финальные работы несколько отличаются по колориту:)

Вместо предисловия

Далее буду пересказывать то что нам рассказывала Ольга. Этот конспект делала частично со своих воспоминаний, частично со своих заметок, частично со своих видеозаписей с мастер класса, поэтому что-то тут будет мною перефразировано, а что-то практически дословно повторять слова Ольги, поэтому многочисленные фразы вроде "Ольга говорила что.." буду опускать, а откровенные цитаты делать откровенными цитатами. Попутно буду делиться какими-то своими наблюдениями и заключениями, ибо пишу это все не только ради того чтобы бездушно ретранслировать все это для вас, но скорее для сведения в единую систему координат старых знаний со вновь полученными и их систематизации, чо уж. И конечно же, я буду помечать места где будет моя откровенная "отсебятина", дабы не выдавать свое мнение за чужое. Да, вполне возможно, что кто-то из вас мог бы услышать в словах и увидеть в последовательности действий Ольги что-то иное, так что прошу это учитывать, делиться вашими мнениями и наблюдениями в комментариях под статьей - мне будет очень интересно; и конечно же не принимать слепо на веру и все перепроверять на своем опыте;)

Подготовка к роботе: эскиз на небольшом формате

1. Композиция на листе: кадрирование

В первую очередь необходимо определить какие объекты натуры войдут в композицию, а какие нет и разместить все элементы, о которых вы хотите рассказать, на листочке. Это похоже на кадрирование фотографии натуры на телефоне. Необходимо выбрать главное - то что особо нравится. Если вдруг в натуре нет ничего такого, что вас бы цепляло, то возможно не стоит это рисовать, а стоит поискать другую, более подходящую именно вам натуру.
*Тут я на всякий случай помечу, что последнюю фразу Ольга говорила, рассказывая про себя, и явных рекомендаций не рисовать то что не нравится не давала, а от себя я еще добавлю что делать стоит только так как подходит именно вам;)

Художнику ничто не мешает сделать акцент на том что нравится.

Я тогда еще вспомнила как давилась некоторыми, совсем непривлекательными для меня референсами с курсов и пыталась их рисовать. Да, изредка некоторые из них получались неплохо, на каких-то на меня даже снисходило озарение, но большинство из них с моей точки зрения не получались вовсе... И я задумалась, может быть художнику и правда не стоит себя "насиловать", заставляя рисовать то, что не вызывает в нем эмоций? И может быть по аналогии с той поговоркой: "развивая в себе сильные стороны мы становимся гениями, а развивая слабые - посредственностью", когда мы рисуем то к чему испытываем бОльшие эмоции, мы с большей вероятностью нарисуем шедевр? И может быть то что нам больше всего нравится в натуре и находит наибольший отклик в нашем творчестве соответственно дает наилучший результат? Но если мы в равной степени можем прекрасно нарисовать и то и другое? Не значит ли это что мы достигли определенной степени мастерства? И да, когда вы только начали рисовать и сели за свой первый объем шара, куба или цилиндра, думаю этот совет к вам не очень относится, тут в ход пойдет другая поговорка: тяжело в учении легко в бою. Отрабатывать базовые вещи за вас никто не будет, а оставшись не отработанными хуже будет только вам, и никому другому.

Более того, продумывая композицию можно изменять размеры отдельных элементов и двигать их относительно друг друга, исключать ненужные и так далее для создания наилучшей композиции. Все это вам подвластно!
*конкретно дословно этих слов Ольга не говорила, и эти выводы я делаю из наблюдений того что она рисовала на эскизе.

Для наглядности я обрезала фотографию максимально приближенно к тому как выбирала и рассуждала Ольга:

в этой композиции ее зацепила яблонька с витиеватым стволом перед домиком, и она нарочно сделала ее больше. Подчеркнула контраст светлой яблони и темной ели, а не приглянувшуюся березу и вовсе не стала включать в композицию. После того как все элементы расположились на листе, Ольга перепроверила все ли ее устраивает, подвинула берег и уровень воды выше, сам слой воды сделала меньше (на фото видно что вырезанный прямоугольник слишком вытянутый), чтобы поместился кусочек отражающегося в воде неба и добавила темные травинки на первом плане для акцента и эскиз был готов.
Я схематично линейно повторила расположение выбранных ею объектов на своем эскизе:

2. Композиция и тоновой разбор

Очень хочу заострить ваше внимание вот на чем. Рассказывая про композицию, Ольга оперировала сразу и тоновыми отношениями и формами объектов. На эскизе Ольги отдельные элементы появлялись сразу же определенного тона. Мне это на первый взгляд показалось сложновато. То что вы прочитали выше про композицию - это моя попытка отделить композицию линейных контуров предметов от композиции тоновых пятен. Хотя именно на этом пленэре до меня дошла их неотделимость друг от друга. И осознание такого подхода меня сильно поразило. В своих работах я интуитивно стараюсь делать то же самое, но пока лишь последовательно, так же как об этом я пишу тут. У меня пока нет ответа как "правильно", но подозреваю, что так, как удобно и ведет к грамотному распределению форм и тонов на листе будущей работы;)

Подробности не так важны как ощущение и тональное решение работы

Достаточно тёмная масса, рисуем ее в самый верхний край листа. Но она не должна быть темнее чем маленькие акценты с первого плана (трава у воды). И если сама масса травы на переднем плане достаточно светлая - намного светлее леса, то отдельные травинки будут намного темнее чем лесная масса в целом, потому что передний план обладает бОльшей контрастностью*.
На эскизе Ольга очень условно показывает перспективу для домика, но тем не менее не обходит ее стороной. Домик находится выше линии горизонта на холме, поэтому все горизонтальные линии домика идущие от ближнего угла, направлены вниз (вправо и влево) к двум точкам схода на линии горизонта.
Каждый из элементов который появлялся на эскизе Ольга сразу заштриховывала соответствующим натуре и ее замыслу тоном, не вдаваясь в подробности. Так, например, все деревья и кустарники Ольга отмечает как кружочки (крона яблони) и овальчики (кусты слева), и поначалу оставляет их не закрашенными. Серый цвет бумаги уже задает им определенную тональность. А вот тени под деревьями помечает сразу (я кстати на эскизе про них вспомнила не сразу:)

* Это происходит за счет световоздушной перспективы: чем дальше от нас объекты, тем бОльший воздушный слой нас от них отделяет, и тем более приглушенными они нам будут казаться. Это справедливо больше в классическом (академическом) рисунке. Поэтому так же стоит помнить, что бывают и исключения, ярким примером может служить наведение фокуса на дальний план и размытие ближнего.
Или же, например в скетчинге (и почему бы не в скетчинге той же пастелью?) возможен выразительный прием, когда для главного пусть и в дали выбирается максимальный контраст, например, черно-белое, а для всего второстепенного, но на ближних планах контрасты светло серого и темно серого, для самых отдаленных от главного участках контрасты серое-серое.

Между домом и кустами, чтобы их разграничить, добавляет тона.
Добавляет тень под яблоней.

Справа от яблони показывает темные лапы ели, опять же для контраста.

Спускается вниз и обозначает более темный тон травы на границе земля-вода, добавляет более темный тон воды, и замечает что места для отражения неба в воде осталось не так много и, ничего не стирая, поднимает границу воды выше, почти на середину листа

Я специально это делаю (имеется ввиду исправления на эскизе) чтобы вы не боялись думать на листе и что-то исправлять:)

После того как Ольга поднимает границу земля-вода, эта граница оказывается почти на середине листа (я сразу нарисовала на эскизе линию там, где она оказалась в итоге). И, хотя композиционно делить лист по полам границей земля-вода не очень хорошо, за счет плавного изменения тона от верхней части листа к нижней (т.е. за счет отсутствия резких тоновых границ) явного деления пополам не происходит. И вот тут композиция наиболее тесно взаимодействует с тоном!!! И опять же тут сделан акцент на том, что правила правилами, но художник сам решает нарушать ему эти правила или нет. Хотя, думаю, знать об этих правилах в любом случае нужно:)
А вот я, взяв не самый удачный по тону мелок, и выполнив все рекомендации, не получила нужных мне контрастов сразу:

Поэтому я добавила сверху еще более темный мелок, чтобы суть всей этой писанины выше была более очевидна, и похожа на то что было у Ольги.
А после того как на эскизе появились все элементы с нужным тоном, Ольга белым карандашом добавила несколько светлых акцентов, выделив то главное, что ей понравилось на натуре больше всего: отражение, кувшинки, засветы на яблоне, кустах и склоне холма. При этом добавила, что в отличие от эскиза в работе эти элементы будут более приглушенными.

В итоге для эскиза понадобилось 5 минут времени с учетом всех объяснений. Пожалуй, это даже быстрее чем вы дочитали до этого самого места;)
Серая(цветная) бумага, выполняющая роль среднего тона, темный карандаш (а в моем случае два мелка - темно зеленый и черный) для темного и очень темного тона, и белый карандаш для акцентов. Все.

Вот какая-то такая мысль должна присутствовать в вашем эскизе. Попробуйте. На него много времени тратить не нужно. Но вам нужно поместить все элементы про которые вы хотите рассказать на одном листочке.

После того как все выполнили тоновой эскиз и Ольга прошла посмотрела у кого что получается, она приступила к рассказу и показу о том как вести саму работу....

Материалы

С собой у меня был тот самый маленький набор мягкой пастели Sennelier (24 цвета) для пейзажей, и выданный организаторами минимально необходимый набор оттенков мелков Rembrandt. Рисовали на листе серой пастельной бумаги. Название я к сожалению не запомнила, т.к. материалы меня на тот момент волновали намного меньше чем информация, которую собиралась нам рассказывать Ольга.

Палитра

Способ составления палитры в пастели мне очень напомнил способ составления палитры маркеров. Набор: светлые, средние и темные тона, чтобы была возможность правильно заложить тоновые отношения. Насколько я поняла, так же как же как в маркерах нужны какие-то яркие цвета для акцентов. В нашем случае это были мелки цвета сочной зелени - аналог May Green в акварели и прохладный бирюзовый. И думаю так же как и по аналогии с маркерами могут пригодиться разнообразные серые оттенки. Кстати недавно на онлайн мастер классе Елена Таткина так же говорила про полезность разнообразных серых мелков.
Но Ольга рассказала еще один интересный способ сделать скромную палитру более разнообразной: если использовать для каждого цвета цвет противоположный ему по цветовому кругу, то цвет полученный в итоге будет более интересным и благородным! Помню этот же совет был и на курсе масляной живописи, как рецепт получения разнообразных коричневых, но там я как-то не придала этому особого значения. А тут для меня это стало приятным открытием. Хочу теперь и в маркерах это попробовать, возможно там это тоже принесет свои плоды:)

Приступаем к основной работе

1. Располагаем основные элементы на листе согласно эскизу пастельным мелком или пастельным карандашом темного тона.

В пастели принцип работы от темного к светлому, как и в масле, что сильно отличается от тех же маркеров и акварели, поэтому старайтесь светлые мелки класть на бумагу в самую последнюю очередь, иначе велика вероятность что их будет сложно перекрыть более темными мелками поверх. Я не поверила и решила проверить сама - все так:)))

2. Потом мягко, держа пастельный мелок плашмя (широкой стороной) начинаем забивать пространство листа чтобы просвечивала фактура бумаги. Это нужно для того чтобы потом можно было добавлять другие цвета и тона.

получается вот такое мягкое облачко

А после того как Ольга затемнила основные элементы тёмно зелёным мелком, у неё в руках появился карандаш ярко розового цвета и она смеясь сказала:

Вы наверное думаете, что я делаю с красным карандашом в зелёных насаждениях? Я сейчас буду гасить свет достаточно яркий и активный на более сложный. Гасить это значит делать его более нейтральным. Это можно делать, например тёмно-синим, тёмно-фиолетовым, маджентой, и так далее. Тем что найдёте:) *

*палитра выданных мелков была достаточно скромной, поэтому Ольга рисовала тем же набором мелков, что был роздан организаторами всем участникам, поэтому повторять ее действия было максимально просто. Такое отношение к участникам мастер класса меня очень подкупило ^__^

Причём гасить цвета нужно противоположным цветом цветового круга.
Ольга привела пример:
На ярком солнце на зелени вблизи появляются желтоватые оттенки. Поэтому сначала на лист нужно положить зеленую или оливковую пастель более темного или среднего тона и только после этого поверх нужного нам тона добавлять нужный цвет сочной зелени.
А вот на дальних планах, с яркой зеленью нужно быть аккуратнее и не добавлять туда чересчур активных, ярко жёлто-зелёных оттенков, поскольку дальний план находится дальше и воздух делает их более нейтральными. Снова привет законам свето-воздушной перспективы:)
Поэтому чтобы ее передать, в зеленовато-жёлтый можно добавить немного противоположного ему по цветовому кругу оттенка фиолетового, который сделает его более нейтральным и приглушенным. Смешение цветов в пастели происходит или за счет наложения "заливок" (честно говоря не знаю как это могло бы называться) разных цветов друг на друга, или за счет перекрывающих друг друга штриховок.

вот так и смешиваются два цвета

3. Набираем основные цвета нужного нам тона на листе не растушевывая их.
Ольга, например добавляла в "зелень" много "незеленых" оттенков, и выбор был очень интересный - это надо обязательно хоть раз увидеть в живую! Накладывала штриховку одним мелком поверх другого примерно так как на фото выше.
Тут нужно отметить, что рисовала она теми же цветами мелков Рембрандта, которые были у нас. Поэтому из-за ограниченности палитры совершала намного больше действий, чтобы намешать нужный тон и цвет, чем если бы это была работала мелками из ее собственной палитры. Мелки Рембрандт, такие же как мелки Ван Гога "хитрые". Они твёрдые, и поэтому не любят вот таких жёстких прикосновений как на фото ниже. От них сильно травмируется бумага. Поэтому их нужно наносить мягко (плашмя, как на фото выше), а вот растушевывать жёстко, то есть очень тщательно потом руками втирать в бумагу.

Техника Ольги - это растушевки, а потом поверх них каких-то уточняющие детали

Сначала тонально забиваю лист: тени, синий плюс зеленый дают более мягкий цвет в тенях, это подфонок для тех темных дырочек которые мы видим. Потом почти все это уберу, но у меня сразу уже будет задана глубина какими-то теневыми вещами. Не на абразиве удобнее делать подфонок мягкими мелками, а уточнять более твердыми

4. После того как набраны основные тона можно приступать к растушевкам. Постарайтесь полностью убрать фактуру бумаги (это справедливо для тёмных тонов). С помощью них мы создаем глубину и темноту, которую на натуре мы видим за просветами светлой зелени.
Когда поверх первой растушевки будете накладывать второй слой, он уже будет растираться гораздо легче.

Так, например, темная наждачная бумага, как на последнем вебинаре Елены Таткиной, может заменить собой весь этап растушевок. Но темная бумага она все равно останется равномерно темной, а здесь мы создавали сложный и интересный подфонок. Но и времени на это потратили раза в 3-4 больше.

Самое интересное, что Елена Таткина тоже рисовала на том самом пленэре, а потом в одном из своих прямых эфиров упоминала рекомендации Ольги, но вы наверное и так сами все видели:) Меня очень поразил тот факт что такие известные художницы тоже знакомятся с творчеством друг друга, а потом я подумала, а что в этом такого-то?)

Чем тверже мелки которыми вы будете работать, тем дольше и аккуратнее нужно будет намешивать нужный тон. Когда же вы работаете мягкими мелками, например Schmincke или Terry Ludwig, нужная масса (тон) набирается намного быстрее. При мягкой пастели требуется намного меньше намешиваний и она совершенно другая. А твердая пастель, например, очень хороша для абразивной бумаги.

В пастели справедлив принцип от темного к светлому. После того как мы проложили самые тёмные тона и пятна и растушевали их можно двигаться дальше.

Работайте плоскостями, забивайте средний тон и потом уточняйте более светлые и более темные участки. Те формы предметов, которые пропадают восстанавливайте по ходу работы по мере необходимости.

Работа видна будет в самом конце и пусть вас не пугает то, что в процессе работа похожа на какое-то странное месиво:)

Этот принцип сильно отличается от скетчинга, когда на каждом этапе работы изображение должно казаться законченным. В пастели все начинается с туманного облака и потом уже вы постепенно начинаете корректировать какие-то детали. Но если вы сразу не сделаете правильных тоновых отношений, не заложите нужных тёмных участков, вы не сможете потом вытащить светлые элементы.

Например, чтобы показать светящуюся яблоню, нужно вначале полностью создать её окружение. Все что находится вокруг неё: лес за домиком, крышу дома, его стену, тени под самой яблоней, тёмные ветви ели перед ней и так далее. Без этого вы не сможете показать самой яблони. Именно поэтому Ольга специально изменила место расположения яблони на листе таким образом, чтобы светлая часть кроны находилась на фоне тёмного лесного массива за домом, а тёмная часть кроны яблони как раз пришлась на светлую крышу. Чтобы показать корявенький ствол, так хорошо характеризующий яблоню, Ольга тщательно проработала тень за и под яблоней, подготовив это пространство для светлого ствола дерева. При этом все эти участки за и под яблоней, к моменту ее появления на листе должны быть проработаны и растушеваны, чтобы поверх них можно было уже положить тон и цвет яблони.

За счёт всех этих контрастов Ольга акцентируют внимание на яблоне, показывая то что ей приглянулось в натуре во всей ее красе.
Честно говоря, я смотрела во все глаза как она это делает. А кто-то из участников с придыханием сказал "Волшебствоо" :)

Работа пастелью подобна волшебству, т.к. на работе у вас все возникает последовательно.

Для света на яблоне Ольга выбрала очень интересное смешение нежно бирюзового мелка со светло зеленым. Яркий желто-зеленый цвет положенный поверх бирюзового, смотрится более приглушенным, чем тот же ярко жёлтый, положенный поверх теплого зелёного на передних планах. Бирюзовый не дает яркому теплому оттенку слишком сильно выделяться на дальнем плане. И весь свет на дальнем плане делаем мягче. Опять же во имя световоздушной перспективы.

В пейзаже на пленэре выбирайте для себя понравившиеся тоновые и тепло-холодные отношения и придерживайтесь их.

Те формы предметов, которые пропадают восстанавливайте по ходу работы по необходимости сверяясь с эскизом.

Пленэр - это всегда схватить главное. Постарайтесь не ставить себе задачи сделать шедевр, который будет нереально прекрасен, закончен и восхитителен. Дальше вы разгоняетесь. Постарайтесь себя расслабить, посмотреть на то что вам нравится в пейзаже, вытащить самое главное - это будет достаточно харизматичная работа. Получайте удовольствие, делайте быстро, делайте харизматично, схватывайте главное, потому что пленэр это не то что должно быть прямо финиш законченным и супер супер там всё сделано.
Основная работа, все что вы видите у меня - это работа в студии, которая перерабатывает совершенно ваше восприятие с того что вы взяли на пленэре.
Пленэр нужен. Он дает интересные цветовые сочетания, необычные формы, и какие-то состояния. Но не забывайте, что пленэр это рабочий процесс и его всегда использовали как рабочий материал.

Ольга Абрамова - художник, работающий пастелью, создающая невероятной красоты и глубины работы, ответила на наши вопросы, которые мы задали в рамках недели пленэров Oh, my ПЛЕНЭР!

Ольга, расскажите, пожалуйста, как Вы определились с материалом и техникой?
Почему именно пастель?
Мне всегда нравились графические материалы. Но пастель – это была любовь с первой пробы. Я сразу поняла, что этот материал позволит мне сделать гораздо больше, чем любой другой.

Как проходит у Вас обычный рабочий день?
Утро, зарядка, кофе, тексты, потом я работаю со своими картинами и проектами. В перерывах читаю что-нибудь интересное или полезное. Вечером решаю всякие технические вопросы: ответить на письма, заказать материалы, обработать фото картин. Люблю гулять в лесу, но каждый день не получается, хотя после прогулок всегда идеи приходят.

А какой был первый пленэр?
Какие ошибки Вы совершили?
Мой первый пленэр был совсем в детстве.
Помню, я рисовала деревянный домик Петра в Коломенском и мне хотелось нарисовать его так, чтобы он был очень похож на самого себя. На моей картине коричневый цвет дерева получался такой по-настоящему коричневый, но это было совсем некрасиво. Я до сих пор остерегаюсь коричневого цвета в пленэрной работе.

Есть ли различие в принципах работы в мастерской и на свежем воздухе?
Я очень люблю работу в мастерской – это самое продуктивное время.
Пленэры – это для меня всегда вызов и стечение обстоятельств. Много людей вокруг, быстрая смена света, ускользание.
Но у меня есть правило для работы в мастерской, которое очень подходит и для пленэров:
"рисуй так, словно за тобой гонятся".
Лучше долго собираться, но нарисовать на максимальной скорости.
На пленэре долго собираться некогда, нужно работать быстро, интуитивно, поэтому готовиться нужно заранее.
Для пленэра с учениками я тщательно место подбираю, свет, формы, чтобы было удобно работать.
Очень важно, какая палитра мелков с собой – это тоже часть подготовки. Свою палитру нужно знать, как ноты.

Расскажите про самый экстремальный и необычный пленэр.
Наверное, экстремальные, чем в зоопарке у меня пленэра не было. Я по натуре интроверт, а внимание в зоопарке к животным и к рисующим – одинаково.)
Ну и сами животные совершенно не статичные натурщики.
Еще был один случай. Я рисовала в 6 утра на мысе Фиолент, в Крыму. Ни одного человека кругом, рассвет, я сижу, свесив ноги на ступеньку под обрывом и рисую. Вдруг, подходит ко мне молодой человек и садится рядом, начинает со мной издалека про жизнь разговаривать. А я сижу и думаю, как бы мне от него по-доброму избавиться. А потом оказалось, что он думал, что жизнь мне спасает.) Разобрались.

Вы больше любите работать в одиночку или по душе групповые пленэры?
Конечно, одна, тогда есть только я и картина.

А какой минимальный набор материалов всегда берете с собой на выездные зарисовки?
Черный альбом, около 15 пастельных карандашей и несколько разных по тону мелков. Но это для более графических вариантов, для живописных я собираю себе мини коробку из маленьких кусочков пастели и беру альбом с пастельной бумагой.

Есть ли такие места, которые стали "местами силы"?
Где получились наиболее удачные, на Ваш взгляд, работы.
В местах силы, я обычно не рисую. Сижу и смотрю, а рисую потом в студии. Так я сидела на прохладных камнях в Эстонии, потом рисовала много эскизов и большую картину Ундва Панк. Стояла под дождем на берегу океана с черным песком и голубыми льдинами в Исландии, и потом пол года собирала тему из этого состояния, чтобы снять фильм, где я рисую океан. Все самые серьезные работы я делаю в студии.
Пленэр – это возможность поймать какое-то необычное сочетание цветов или свет, или настроение. А работа в студии – это переосмысление.

Можете показать самые любимые страницы (или работы с пленэра) в скетчбуке?