Брюссель. Королевские музеи изящных искусств

Эмиль Клаус (нидерл. Emile Claus, род. 27 сентября 1849 г., Варегем - ум. 14 июня 1924 г., Дейнзе) - бельгийский художник, один из главных представителей импрессионистской живописи в Бельгии и основоположник луминизма.

Э.Клаус родился в многодетной семье сельского лавочника. Учиться рисованию начал в местной художественной школе. По совету композитора Петера Бенуа, Клаус в 1869 году поступает в антверпенскую Академию изящных искусств, где изучает портретную, историческую и пейзажную живопись. В 1874 году он заканчивает учёбу в Академии. В 1875 году художник с успехом выставляет свои работы в Генте, и в 1876 - в Брюсселе.

В раниий период своего творчества Э.Клаус занимается преимущественно портретной и жанровой живописью. Он пишет в реалистической манере, преимущественно в тёмных тонах и использует социальную тематику (напр. полотно Богатство и бедность (1880)). В 1879 году художник совершает путешествие по Испании, Марокко и Алжиру. В 1882 состоялся его дебют на Парижском Салоне, где Клаус представляет свою картину Бой петухов во Фландрии (1882). Начиная с этого момента он проводит много времени в Париже - сосбенно зимой, и подпадает под творческое влияние французского художника Бастьен-Лепажа, также писавшего на социальные темы в реалистической манере.

С приходом финансового достатка в 1883 художник покупает на родине виллу Zonneschijn (Солнечное сияние). В 1886 он женится на Шарлотте Дюфо, дочери нотариуса из соседнего Дейнзе. В этот период Клаус рисует в основном пейзажи родной природы, выдержанные в реалистическом стиле. Во время жизни в сельской местности он поддерживает дружеские отношения и ведёт оживлённую переписку с художником Альбином ван ден Абеле, скульптором Константином Менье, писателями Сирилом Бёйссе и Эмилем Верхарном. Через них, а также через художника Анри Ле Сидане, Клаус открывает для себя такое явление, как французский импрессионизм. Знакомство с работами импрессионистов меняет и живопись самого Э.Клауса - его краски становятся светлее и более тёплыми: он уделяет больше внимания взаимодействию света и тени, благодаря чему формальные вопросы отступают на второй план (Зимородки (1891)). Среди французских импрессионистов особое влияние на живопись Э.Клауса оказал Клод Моне. В работах обоих художников сходной является не только цветовая гамма, но и даже практически одинаковый подбор сюжетов для своих полотен (в лондонский период). Постоянный поиск новых форм выражения и световые эксперименты сделали Э.Клауса непосредственным предшественником такого течения в живописи Бельгии, как луминизм. В Париже Клаус также дружит с известными деятелями культуры, среди которых писатели Эмиль Золя и Морис Метерлинк.

Вплоть до начала Первой мировой войны художник подготовил немало учеников, в их числе были Анна де Верт, Роберт Хаттон Монкс, Торадзиро Кодзима, Жорж Моррен, Леон де Смет и другие. В ноябре 1893 он вступает в художественную группу Union Artistique. Её целью было - как и у аналогичных групп французских импрессионистов - организация выставок и продажа картин. Кроме этого, работы Клауса появляются на выставках брюссельского союза художников La Libre Esthétique в 1896 году и на Берлинском сецессионе. В 1904 Э.Клаус создаёт, совместно с живописцем Жоржем Бёйссе, группу Vie et Lumièrе, в которую позднее вступают такие художники, как Джеймс Энсор, Вильям Дегув де Нункве и Адриан Хейманс.

Вполоть до самой Первой мировой войны Э.Клаус много путешествует - он неоднократно посещает Париж, Нидерланды: в 1907 году он совершает поездку по США, в 1914 - на Лазурный берег Франции. Перед самым вступлением немецких войск в 1914 году в его родной городок художник успевает эмигрировать в Англию. Здесь он живёт в Лондоне, в доме на берегу Темзы. Основной темой для творчества мастера в годы изгнания была эта лондонская река. Картины Э.Клауса с пейзажами Темзы, написанные в постимпрессионистской манере, пользовались большим успехом как в Лондоне, так и в Брюсселе после войны.

После окончания военных действий Э.Клаус возвращается на свою виллу в Астене. Здесь он скончался в 1924 году и был похоронен в своём саду. На могиле мастера был установлен мраморный памятник работы Жоржа Минне.

Ян ван Эйк - ключевая фигура Северного Возрождения, его основоположник.

Ван Эйк считался изобретателем масляных красок, хотя на самом деле он лишь усовершенствовал их. Однако благодаря ему масло получило всеобщее признание.

В течение 16 лет художник был придворным живописцем герцога Бургундского Филиппа Доброго, господина и вассала также связывала крепкая дружба, герцог принимал живое участие в судьбе художника, а ван Эйк стал посредником в женитьбе господина.

Ян ван Эйк был настоящей «личностью эпохи Возрождения»: хорошо знал геометрию, имел определенные познания в химии, увлекался алхимией, интересовался ботаникой, а также весьма успешно выполнял дипломатические поручения.

Где купить: Галерея De Jonckheere, Галерея Oscar De Vos, Галерея Jos Jamar, Галерея Harold t’Kint de Roodenbeke, Галерея Francis Maere, Галерея Pierre Mahaux, Галерея Guy Pieters

Рене Магритт (1898, Лессин — 1967, Брюссель)

Большой шутник и каверзник Рене Магритт однажды сказал: «Смотрите, я рисую трубку, но это не трубка». Используя абсурдное сочетание обычных предметов, художник наполняет свои картины метафорами и скрытыми смыслами, которые заставляют задуматься об обманчивости видимого, таинственности обыденного.

Однако Магритт всегда был в стороне от остальных сюрреалистов, а скорее причислял себя к магическим реалистам, в частности из-за того, что как ни удивительно, не признавал роли психоанализа.

Мать художника покончила с собой, спрыгнув с моста, когда ему было 13 лет, некоторые исследователи считают, что «фирменный» образ загадочного мужчины в пальто и котелке родился под впечатлением этого трагического события.

Где посмотреть:

В 2009 году Королевские музеи изящных искусств в Брюсселе выделили коллекцию художника в отдельный музей, посвященный его творчеству.

Где купить: Галерея De Jonckheere, Галерея Jos Jamar, Галерея Harold t’Kint de Roodenbeke, Галерея Pierre Mahaux, Галерея Guy Pieters

Поль Дельво (1897, Анте - 1994, Вёрне, Западная Фландрия)

Дельво был одним из наиболее успешных художников-сюрреалистов, несмотря на то, что никогда официально не состоял в этом движении.

В печально-таинственном мире Дельво женщина всегда занимает центральное место. Особое глубокое молчание окружает женщин на картинах, они словно находятся в ожидании мужчин, которые пробудят их.

Классический сюжет в изображении Дельво — женская фигура на фоне городского или сельского пейзажа, данного в перспективе, окружённая загадочными элементами.

Писатель и поэт Андре Бретон даже как-то заметил, что художник делает «наш мир Царством Женщины — повелительницы сердец».

Дельво учился на архитектора в Королевской академии изящных искусств в Брюсселе, но потом перешёл в класс живописи. Однако архитектура всегда принимает активное участие в его картинах.

Где купить: Галерея Jos Jamar, Галерея Harold t’Kint de Roodenbeke , Галерея Lancz, Галерея Guy Pieters

Вим Дельвуа (род. 1965)

Остросовременное, нередко провокационное и ироничное творчество Вима Дельвуа демонстрирует обычные предметы в новом для них контексте. Художник соединяет современные и классические сюжеты в тончайшие ссылки и параллели.

К числу самых известных произведений художника относятся «Клоака» (2009-2010) - машина, пародирующая действие пищеварительной системы человека, и «Арт-ферма» около Пекина, на которой Дельвуа создает тату-картины на спинах свиней.

Наибольшую популярность получила его серия псевдоготических скульптур, в которой ажурная резьба сочетается с современными сюжетами.Одна из таких («Cement Truck») стоит возле брюссельского театра KVS.

Где посмотреть:

В Королевском Музее Изящных Искусств Брюсселя, M HKA (Антверпен), в январе в Maison Particuliere Вим Дельвуа станет приглашенным художником на коллективной выставке «Табу». Также скульптура «Бетономешалка» установлена напротив театра KVS (Королевского Фламандского Театра) на площади между улицами Hooikaai /Quai au Foin и Arduinkaai / Quai aux pierres de taille.

Большинство его работ постоянно колесят по миру, экспонируясь на самых лучших арт-площадках.

Где купить:

Ян Фабр (род.1958, Антверпен)

Всесторонне одаренный Ян Фабр известен своими провокационными перформансами, он также писатель, философ, скульптор, фотограф и видеоартист и считается одним из самых радикальных современных хореографов.

Художник - внук неутомимого исследователя бабочек, букашек и паучков

Жана-Анри Фабра. Возможно поэтому мир насекомых является одной из ключевых тем его творчества, наравне с человеческим телом и войной.

В 2002 Фабр по заказу королевы Бельгии Паолы оформил потолок Зеркального зала Королевского дворца в Брюсселе (кстати, впервые после Огюста Родена) миллионами крылышек жуков. Композиция носит название Heaven of Delight (2002).

Однако за переливающейся поверхностью художник напоминает королевской семье о страшном позоре — огромных человеческих жертвах среди местного населения Конго во время колонизации короля Леопольда II ради добычи алмазов и золото.

По словам художника, консервативному бельгийскому обществу это, мягко говоря, не понравилось: «Простого обывателя зачастую раздражает мысль о том, что Королевский Дворец оформлен художником, который открыто призывает не голосовать за правых».

Где посмотреть:

Кроме Королевского дворца, работы Яна Фабра можно увидеть в Королевском Музее Изящных Искусств Брюсселя , где установлена среди прочих его инсталляция «Синий взгляд», Музее Актуального Искусства Гента (S.M.A.K .), M HKA (Антверпен), Belfius Art Collection (Брюссель), Музей Икселя (Брюссель), а также на кураторских временных выставках в Maison Particuliere , Villa Empain , Vanhaerents Art Collection и др.

Где купить: Галерея Jos Jamar, Галерея Guy Pieters

Л. Алешина

Небольшая страна, давшая миру в прошлом ряд величайших художников- достаточно назвать братьев ван Эйков, Брейгеля и Рубенса,-Бельгия к началу 19 в. переживала длительный застой искусства. Известную роль в этом играло политически и экономически подчиненное положение Бельгии, вплоть до 1830 г. не обладавшей национальной независимостью. Лишь когда с начала нового столетия все сильнее развертывается национально-освободительное движение, оживает и искусство, занявшее вскоре же очень важное место в культурной жизни страны. Показательно хотя бы то, что по сравнению с другими европейскими странами количество художников в маленькой Бельгии относительно к численности населения было очень велико.

В формировании бельгийской художественной культуры 19 в. большую роль играли великие традиции национальной живописи. Связь с традициями выразилась не только в непосредственном подражании многих художников своим выдающимся предшественникам, хотя это и было свойственно бельгийской живописи, особенно в середине века. Воздействие традиций сказалось на специфике бельгийской художественной школы нового времени. Одной из таких специфических особенностей является приверженность бельгийских художников к предметному миру, к реальной плоти вещей. Отсюда успехи реалистического искусства в Бельгии, но отсюда и некоторая ограниченность в истолковании реализма.

Характерной чертой художественной жизни страны было тесное взаимодействие на протяжении всего столетия бельгийской культуры с культурой Франции. Молодые художники и архитекторы ездят туда совершенствовать свои знания. В свою очередь многие французские мастера не только посещают Бельгию, но и живут в ней по многу лет, участвуя в художественной жизни своей маленькой соседки.

В начале 19 столетия в живописи, скульптуре и архитектуре Бельгии, как и во многих других странах Европы, господствует классицизм. Крупнейшим живописцем этого периода был Франсуа Жозеф Навез (1787-1869). Он учился сначала в Брюсселе, затем с 1813 г. в Париже у Давида, которого сопровождал и в эмиграцию в Брюссель. В годы своего бельгийского изгнания замечательный французский мастер пользовался величайшим авторитетом среди местных художников. Навез был одним из любимых учеников Давида. Творчество его неравноценно. Мифологические и библейские композиции, в которых он следовал канонам классицизма, безжизненны и холодны. Портреты же, составляющие большую часть его наследия, весьма интересны. В его портретах пристальное и внимательное наблюдение и изучение натуры сочетались с возвышенно идеальным представлением о человеческой личности. Лучшие черты классицистического метода - крепкая композиционная построенность, пластическая наполненность формы - гармонически сплавляются в портретах Навеза с выразительностью и характерностью жизненного образа. Наиболее высоким по своим художественным качествам представляется портрет семьи Хемптинне (1816; Брюссель, Музей современного искусства).

Трудная задача портрета с тремя персонажами удачно разрешена художником. Все члены молодой семьи - супружеская чета с маленькой дочкой - изображены в живых непринужденных позах, но с ощущением крепкой внутренней связи. Цветовое решение портрета свидетельствует о стремлении Навеза к постижению классических традиций фламандской живописи, восходящих к ван Эйку. Чистые сияющие краски сливаются в радостный гармонический аккорд. Превосходный портрет семьи Хемптинне близок своей пластической силой, документальной точностью поздним портретным работам Давида, а лирикой, стремлением передать внутреннюю жизнь души связан с уже рождающимся романтизмом. Еще более близким романтизму представляется автопортрет Навеза в молодом возрасте (1810-е гг.; Брюссель, частное собрание), где художник изобразил себя с карандашом и альбомом в руках, живо и пристально вглядывающимся во что-то перед собой. Навез сыграл весьма значительную роль и как педагог. У него учились многие художники, составившие впоследствии ядро реалистического направления в живописи Бельгии.

Нарастание революционных настроений в стране способствовало торжеству романтического искусства. Борьба за национальную независимость привела к революционному взрыву летом 1830 г., в результате которого Бельгия порвала связь с Нидерландами и образовала самостоятельное государство. Искусство играло немаловажную роль в развернувшихся событиях. Оно возбуждало патриотические чувства, разжигало бунтарские настроения. Как известно, непосредственным поводом к революционному восстанию в Брюсселе послужило представление оперы Обера «Немая из Портичи».

В канун революции в бельгийской живописи складывается патриотическое направление исторического жанра. Вождем этого направления стал молодой художник Гюстав Вапперс (1803-1874), выставивший в 1830 г. картину «Самопожертвование бургомистра ван дер Верфа при осаде Лейдена» (Утрехт, Музей). Воспевая героические деяния предков, мастера этого направления обращаются к романтическому языку форм. Патетическая приподнятость образного строя, повышенное красочное звучание колорита воспринимались современниками и как возрождение исконно национальных живописных традиций, ярче всего представленных Рубенсом.

В 30-е гг. бельгийская живопись благодаря полотнам исторического жанра завоевывает признание в европейском искусстве. Ее программно-патриотический характер, ставший на службу общим задачам развития страны, обусловил этот успех. Вапперс, Никез де Кейзер (1813-1887), Луи Галле были одними из самых популярных художников Европы. Однако очень скоро это направление выявило и свои ограниченные стороны. Наиболее удачными были те произведения, в которых отразился пафос национально-освободительного движения народа, которые вдохновлялись героикой прошлых и нынешних боев за свободу. Не случайно наибольший успех выпал на долю картины Вапперса «Сентябрьские дни 1830 года» (1834-1835; Брюссель, Музей современного искусства). Художник создал историческое полотно на современном материале, выявил значение революционных событий. Показан один из эпизодов революции. Действие происходит на центральной площади Брюсселя. Бурный всплеск народного движения передается неуравновешенной диагональной композицией. Расположение групп и некоторые фигуры вызывают в памяти картину Делакруа «Свобода, ведущая народ», явившуюся несомненным образцом для художника. Вместе с тем Вапперс в этом полотне несколько внешен и декларативен. Образам его отчасти свойственна театральная Эффектность, демонстративность в высказывании чувств.

Вскоре же после завоевания Бельгией независимости историческая живопись утрачивает глубину содержания. Национально-освободительная тематика теряет свою актуальность, свою общественную основу. Историческая картина превращается в пышное костюмированное зрелище с занимательным сюжетом. Выкристаллизовываются два направления в исторической живописи; с одной стороны, это монументальные помпезные полотна; для другого направления характерна жанровая трактовка истории. Национальные традиции живописи понимаются весьма поверхностно - как сумма приемов и средств, не обусловленных воздействием эпохи. Появляется множество художников, видящих все свое призвание в том, чтобы писать жанры, как «мастера 17 в.», или исторические сцены, «как Рубенс».

Антуан Жозеф Вирц (1806-1865) претенциозно, но безуспешно стремится в своих громадных историко-символических полотнах сочетать достижения Микел-анджело и Рубенса. Хендрик Лейс (1815-1869) пишет сначала небольшие жан-рово-исторические картины, подражая колориту Рембрандта. С 60-х гг. он переключается на обширные многофигурные композиции с бытовыми сценами из эпохи Северного Возрождения, в манере исполнения которых он следует наивной точности и подробности мастеров этого периода.

Среди многочисленных исторических живописцев середины века заслуживает упоминания Луи Галле (1810-1887), картины которого отличаются сдержанностью и лаконизмом композиции, а образы - известной внутренней значительностью и благородством. Характерным примером является полотно «Последние почести останкам графов Эгмонта и Горна» (1851; Турне, Музей, повторение 1863 г.- ГМИИ). Эти же качества в еще большей мере присущи его жанровым картинам, таким, как «Семья рыбака» (1848) и «Славонец» (1854; обе-Эрмитаж).

Постепенно историческая живопись Бельгии теряет свою ведущую роль в системе жанров, и на первый план примерно с 60-х гг. выдвигается бытовая живопись. Жанристы середины века, как правило, подражали художникам 17 в., обращаясь к созданию развлекательных сцен в трактирах или уютных домашних интерьеров. Таковы многие картины Жана Батиста Маду (1796-1877). Очень традиционен в своих сюжетах Хендрик де Бракелер (1840-1888), изображавший одинокие фигуры за спокойным занятием в залитых светом интерьерах. Его заслуга состоит в решении задачи освещения и воздушной атмосферы средствами современной живописи.

Капиталистическое развитие страны, проходившее после завоевания независимости очень быстрыми темпами, уже в 60-е гг. поставило перед искусством новые проблемы. В художественную культуру Бельгии все активнее начинает вторгаться современность. Молодое поколение художников выдвигает лозунг реализма, отображения характерных сторон окружающей жизни. В своих стремлениях они опирались на пример Курбе. В 1868 г. в Брюсселе было основано Свободное общество изящных искусств. Наиболее значительными из его участников были Шарль де Гру, Константен Менье, Фелисьен Ропс, Луи Дюбуа. Все они выступили с лозунгом реализма, с призывом к борьбе со старым искусством, с его далекими от жизни темами и устарелым художественным языком. Глашатаем эстетических взглядов этого общества стал журнал «Свободное искусство», начавший выходить в 1871 г. Активнейший участник Свободного общества изящных искусств - Шарль де Гру (1825-1870) уже с конца 40-х гг. стал известен картинами из жизни низших слоев общества. Его манера письма близка Курбе. Колорит выдержан в темных сдержанных тонах, эмоционально соответствующих тягостной мрачности изображенного. Такова картина «Жаровня для кофе» (60-е гг.; Антверпен, Музей); здесь показаны бедняки, греющиеся темным, холодным зимним днем на улице у жаровни, где поджариваются кофейные зерна. Глубокое сочувствие обездоленным характеризует творчество художника.

Реализм в Бельгии очень скоро завоевал прочные позиции во всех жанрах искусства. Появляется целая плеяда пейзажистов, правдиво и в то же время разнообразно отображающих родную природу, - так называемая школа Тервюрена (по названию местечка, расположенного в лесу неподалеку от Брюсселя). Глава школы Ипполит Буланже (1837-1874) пишет тонкие, несколько меланхолические лесные пейзажи, близкие по колориту барбизонцам. Более энергично воспринимает природу Луи Артан (1837-1890). Чаще всего он изображал виды моря и побережья. Мазок его динамичен и упруг; художник стремится передать изменчивую атмосферу, настроение пейзажа.

Особое место занимал в бельгийском искусстве Фелисьен Ропс (1833-1898). Несмотря на то, что мастер значительную часть своей творческой жизни провел во Франции, он был активным участником бельгийского художественного процесса. Довольно скандальная известность художника - как певца парижских кокоток заслоняет часто его весьма важную роль в культурной жизни Бельгии. Ропс - один из создателей литературно-художественного журнала «Уленшпигель» (основан в Брюсселе в 1856 г.) и первый иллюстратор знаменитого романа Шарля де Костера (1867). Исполненные в технике офорта иллюстрации дают острые и интересные воплощения образов главных героев романа. Ропс был блестящим мастером рисунка и внимательным наблюдателем современного быта, о чем свидетельствуют многие его произведения.

Архитектура Бельгии вплоть до конца 19 в. не создала ничего значительного. В первой половине века было еще построено несколько сооружений в стиле классицизма, отмеченных строгим вкусом (дворец Академии в Брюсселе -1823-1826, архитектор Шарль ван дер Стратен; оранжереи в Ботаническом саду Брюсселя - 1826-1829, архитекторы Ф.-Т. Сейс и П.-Ф. Жинест). С середины века в архитектуре нарастает безудержный эклектизм и стремление к созданию пышных помпезных построек. Характерны, например, здание биржи в Брюсселе (1873- 1876, архитектор Л. Сейс), здание Музея старинного искусства там же (1875-1885, архитектор А. Бала). Процветающий бельгийский капитализм стремится создать памятник своего могущества. Так возникает здание Дворца Правосудия в Брюсселе (1866-1883, архитектор Ж. Пуларт -одно из самых грандиозных по размерам сооружений Европы, отличающееся претенциозным и нелепым нагромождением и смешением всевозможных архитектурных форм. Одновременно в архитектуре Бельгии большую роль играет стилизаторство. Строится множество церквей, ратуш и других общественных зданий, подражающих готике, фламандскому Ренессансу, романскому стилю.

Бельгийская скульптура вплоть до последней четверти 19 в. отставала в своем развитии от живописи. В 30-е гг. под воздействием патриотических идей было все же создано несколько интересных статуй. В первую очередь здесь надо отметить произведения Виллема Гефса (1805-1883 - его надгробие графа Фредерика де Мероде, павшего в революционных боях в Брюсселе (1837, Брюссель, собор св. Гудулы), и статую генерала Бельяра, стоящую на одной из площадей столицы (1836). Середина же века в Бельгии, как и во многих других странах, отмечена упадком искусства ваяния.

В эти трудные для монументального искусства годы формируется творчество крупнейшего бельгийского художника Константена Менье (1831-4905). Менье начал свое обучение в Брюссельской Академии художеств в классе скульптуры. Здесь в середине века господствовала консервативная академическая система; педагоги в своем творчестве и в своем преподавании следовали шаблону и рутине, требуя приукрашивания натуры во имя отвлеченного идеала. Первые пластические работы Менье были еще очень близки этому направлению («Гирлянда»; была выставлена в 1851 г., не сохранилась). Вскоре, однако, он бросает скульптуру и обращается к живописи, став учеником Навеза. Последний, хотя и был в те годы символом отжившего классицизма, мог научить уверенному владению рисунком, пластической лепке формы в живописи, пониманию большого стиля. Другая струя воздействий на молодого мастера связана в это время с дружбой с Шарлем де Гру, со знакомством с работами французских реалистов - Курбе и Милле. Менье ищет глубоко содержательного искусства, искусства больших идей, но обращается вначале не к современной теме, а к религиозной и исторической живописи. Особенно интересна картина «Эпизод из крестьянской войны 1797 года» (1875; Брюссель, Музей современного искусства). Художник избирает одну из финальных сцен восстания, закончившегося поражением. Он изображает случившееся как народную трагедию и в то же время показывает несгибаемую волю народа. Картина очень отличается от других произведений бельгийского исторического жанра тех лет. Здесь и иной подход к пониманию истории, и реализм в обрисовке действующих лиц, и проникновенная эмоциональность изображаемого, и введение пейзажа как активно звучащей среды.

В конце 70-х гг. Менье попадает в «черную страну»- промышленные районы Бельгии. Здесь он открывает совершенно новый мир, еще никем не отраженный в искусстве. Жизненные явления со своими совсем иными аспектами прекрасного диктовали новый художественный язык, свой особый колорит. Менье создает картины, посвященные труду горняков, он пишет типы шахтеров и женщин-шахтерок, запечатлевает пейзажи этой «черной страны». Главная нота в его картинах не сострадание, а сила трудового народа. В этом-то и заключается новаторское значение творчества Менье. Народ не как объект жалости и сочувствия, народ как созидатель больших жизненных ценностей, тем самым уже требующий к себе достойного отношения. В этом признании великого значения трудящихся в жизни общества Менье объективно встал в уровень с самыми передовыми мыслителями эпохи.

В своих картинах Менье пользуется языком обобщения. Он лепит форму при помощи цвета. Колорит его строг и сдержан - в серые землистые тона вкраплены одно-два ярких красочных пятна, заставляющих звучать всю суровую гамму. Композиция его проста и монументальна, в ней использован ритм простых, четких линий. Характерна картина «Возвращение из шахты» (ок. 1890; Антверпен, Музей). Трое рабочих, как бы проходящие вдоль полотна, рисуются четким силуэтом на фоне продымленного неба. Движение фигур повторяет друг друга и в то же время варьирует общий мотив. Ритм группы и ритм пространства картины создают гармоничное уравновешенное решение. Фигуры сдвинуты к левому краю картины, между ними и правой боковой рамой - открытый свободный кусок пространства. Четкость и обобщенность силуэта группы, лаконизм образа каждой фигуры придают композиции характер почти пластического барельефа. Обратясь к новой увлекшей его теме, Менье очень скоро вспомнил свое первоначальное призвание. Обобщение, лаконизм средств языка пластики могли как нельзя лучше быть использованы для воспевания красоты человеческого труда. С середины 80-х гг. один за другим появляются статуи и рельефы Менье, прославившие его имя, составившие эпоху в развитии пластики 19 в. Главной темой и образом скульптора является труд, люди труда: молотобойцы, шахтеры, рыбаки, девушки-шахтерки, крестьяне. В скульптуру, ограниченную ранее узким кругом условных, далеких от современности сюжетов и фигур, тяжелой уверенной поступью вошли люди труда. Пластический язык, до этого совершенно выхолощенный, вновь приобрел весомую грубую силу, могучую убедительность. Тело человека показало скрытые в нем новые возможности прекрасного. В рельефе «Индустрия» (1901; Брюссель, музей Менье) напряжение всех мышц, упругая гибкость и сила фигур, затрудненное дыхание, разрывающее грудную клетку, тяжелые набрякшие руки - все это не уродует человека, а дает ему особую мощь и красоту. Менье стал родоначальником новой замечательной традиции - традиции изображения рабочего класса, поэзии процесса труда.

Люди, изображаемые Менье, не принимают изысканно красивые или традиционно классические позы. Они увидены и представлены скульптором в подлинно реальном положении. Их движения грубоваты, как, например, у крепкой задиристой «Откатчицы» (1888; Брюссель, музей Менье), порой даже неуклюжи («Пудлинговщик», 1886; Брюссель, Музей старинного искусства). В том, как стоят или сидят эти фигуры, ощущаешь отпечаток, положенный трудом на их облик и характер. И одновременно их позы полны покоряющей пластической красоты и силы. Это скульптура в подлинном смысле слова, живущая в пространстве, организующая его вокруг себя. Тело человека выявляет под рукой Менье всю свою упругую мощь и суровую напряженную динамику.

Пластический язык Менье обобщен и лаконичен. Так, в статуе «Грузчик» (ок. 1905; Брюссель, музей Менье) создан не столько портрет, сколько обобщенный тип, и это-то и придает ему большую силу убедительности. Менье отказывается от условных академических драпировок, его рабочий носит, так сказать, «прозодежду», но эта одежда не дробит и не мельчит формы. Широкие поверхности ткани как бы облепляют мускулы, отдельные немногие складки подчеркивают движение тела. Одной из лучших работ Менье является «Антверпен» (1900; Брюссель, музей Менье). Олицетворением трудолюбивого и деятельного города скульптор избрал не какие-либо отвлеченные аллегории, а вполне конкретный образ портового рабочего. Вылепленная с предельным лаконизмом суровая и мужественная голова крепко посажена на мускулистые плечи. Воспевая труд, Менье не закрывает глаза на его тяжесть. Одним из самых потрясающих его пластических произведений является группа «Шахтный газ» (1893; Брюссель, Музей старинного искусства). Это подлинно современный вариант извечной темы оплакивания матерью погибшего сына. Здесь запечатлено трагическое последствие катастрофы на шахте. Скорбная женская фигура склонилась в сдержанном немом отчаянии над судорожно вытянувшимся обнаженным телом.

Создав бесчисленные типы и образы людей труда, Менье задумал в 90-х гг. монументальный памятник Труду. В него должны были войти несколько рельефов, прославляющих различные виды труда,-«Индустрия», «Жатва», «Порт» и т. п., а также круглая скульптура - статуи «Сеятель», «Материнство», «Рабочий» и др. Этот замысел так и не нашел окончательного воплощения из-за смерти мастера, однако в 1930 г. он был осуществлен в Брюсселе по имевшимся оригиналам скульптора. Памятник в целом не производит монументального впечатления. Более убедительны его отдельные фрагменты. Сочетание их воедино в том архитектурном варианте, который был предложен архитектором Орта, оказалось довольно внешним и дробным.

Творчество Менье своеобразно подытожило развитие бельгийского искусства 19 в. Оно оказалось высшим достижением реализма в этой стране в рассматриваемый период. Вместе с тем значение реалистических завоеваний Менье вышло за пределы только национального искусства. Замечательные произведения скульптора оказали громадное влияние на развитие мировой пластики.

По дороге к находятся несколько музеев. В этой статье я рассказу Вам о Королевском музеи изящных искусств в Брюсселе. Вернее это целый комплекс состоящий из шести музеeв.

Четыре в центре Брюсселя:

*Музей старинного искусства.
Замечательная коллекция старых мастеров периодa от 15 -го до 18 -го веков.
Основная часть этой коллекции состоит из живописи южнонидерландских (фламандских) художников. Представлены шедевры таких мастеров как Рогир ван дер Вейден, Петрус Кристус, Дирк Баутс, Ганс Мемлинг, Иероним Босх, Лукас Кранах, Герард Давид, Питер Брейгель Старший, Питер Пауль Рубенс, Антонис ван Дейк, Якоб Йорданс, Рубенс и другие …
Коллекция возникла во время Французской революции, когда многие произведения искусства были захвачены оккупантами. Значительная часть была переправлена в Париж, а из того что складировалось был основан Наполеоном Бонапартом музей в 1801 году. Все конфискованные ценности вернулись из Парижа в Брюссель только после низложения Наполеона. С 1811 г. музей поступил в собственность города Брюсселя. С возникновением при короле Вильгельме I Объединённого Королевства Нидерландов фонды музея значительно расширились.

Робер Кампен. «Благовещение», 1420-1440

Якоб Йорданс. Сатир и крестьяне», 1620 год

*Музей современного искусства.
Коллекция современного искусства охватывает произведения начиная с конца 18-го века и по сей день. Основу коллекции составляют работы бельгийских художников.
Известную картину Жака-Луи Давида — смерть Марата можно увидеть в старой части музея. Коллекция иллюстрирует бельгийский неоклассицизм и основана на работах, посвященных бельгийской революции и основания страны.
Сейчас она представлена ​​публике в виде временных выставок в так называемой «Патио» комнате. Эти позволяют регулярную ротацию произведений современного искусства.
В музее хранится «Саломея» Альфреда Стевенса, наиболее известного представителя бельгийского импрессионизма. А также представлены такие известные работы, как «Русская музыка» Джеймса Энсора и «Нежность сфинкса» Фернана Кнопфа. Среди мастеров XIX в., представленных в музее, особо выделяются шедевры Жана Огюста Доминика Энгра, Гюстава Курбе и Анри Фантен-Латура. Французская живопись конца XIX в. представлена «Портретом Сюзанны Бамбридж» Поля Гогена, «Весна» Жоржа Сёра, «Бухта» Поля Синьяка, «Два ученика» Эдуара Вюйара, пейзаж Мориса Вламинка и скульптура Огюста Родена «Кариатида», «Портрет крестьянина» Винсента ван Гога (1885 г.) и «Натюрморт с цветами» Ловиса Коринта.

Жан Луи Давид. «Смерть Марата», 1793 год

Густав Вапперс. «Эпизод сентябрьских дней», 1834 год

*Музей Магриттa.
Открыт в июне 2009 года. В честь бельгийского художника-сюрреалиста Рене Магритт (21 ноября 1898 - 15 августа 1967). В коллекции музея более 200 работ из масел на холсте, гуаши, рисунков, скульптур и окрашенных объектов, а также рекламных плакатов (он многие годы работал художником плакатов и рекламы на фабрике бумажной продукции), старинных фотографий и фильмов снятых самим Магритт.
В конце 20 годов Магритт подписывает контракт с брюссельской галереей Сенто и тем самым полностью посвящает себя живописи. Он создаёт сюрреалистическую картину «Потерянный жокей», которую считал своей первой удачной картиной такого рода. В 1927 году устраивает свою первую выставку. Однако критики признают её неудачной, и Магритт уезжает в Париж, где знакомится с Андре Бретоном и вступают в его кружок сюрреалистов. Он приобретает фирменный своеобразный стиль, по которому узнаются его картины. При возвращении в Брюссель продолжает свое творчество уже в новом стиле.
Музей также является центром исследования наследия художника-сюрреалиста.

*Музей «конца века» (Fin de siècle).
Музей объединяет произведения конца 19-го и начала 20- века, так называемый «конца века», в основном с авангардным характером. Живопись, скульптура и графика, с одной стороны, но также прикладное искусство, литература, фотография, кино и музыка с другой.
В основном представлены бельгийские художники, но также работы зарубежных мастеров, которые вписываются в контекст. Работы художников, которые были членами великих прогрессивных движений бельгийских художников того времени.

И два в пригороде:

*Музей Вирца
Вирц (Антуан-Жозеф Wiertz) - бельгийский живописец (1806-1865). В 1835 г. была написана им первая его значимая картина «Борьба греков с троянцами за обладание трупом Патрокла», не принятая на выставку в Париже, но возбудившая в Бельгии сильный восторг. За нею следовали: «Смерть св. Дионисия», триптих «Положение во гроб» (с фигурами Евы и сатаны на створках), «Бегство в Египет», «Возмущение ангелов» и лучшее произведение художника, «Триумф Христа». Оригинальность концепции и композиции, энергичность красок, смелая игра световыми эффектами и широкий взмах кисти дали повод большинству бельгийцев смотреть на Вирца как на возродителя их старинной национальной исторической живописи, как на прямого наследника Рубенса. Чем далее, тем более эксцентричны становились его сюжеты. Для его работ, по большей части огромного размера, равно как и для опытов применения изобретенной им матовой живописи, бельгийское правительство выстроило ему в Брюсселе обширную мастерскую. Здесь Вирц, не продававший ни одной из своих картин и существовавший только портретными заказами, собрал все свои, по его мнению, капитальные произведения и завещал их вместе с самою мастерскою в наследство бельгийскому народу. Теперь эта мастерская - «Музей Вирца». В нём хранится до 42 картин, в том числе и вышеупомянутые шесть.

*Музей Менье
Музей открытый в честь Константина Менье (1831-1905)ь который родился и вырос в бедной семье выходцев из бельгийского угледобывающего региона Боринаж. С детства был знаком с тяжёлым социальным положением и зачастую нищенским существованием горняков и их семей. Свои впечатления о жизни горняцкого края Менье запечатлел в пластических формах, демонстрирующих человека труда гармонически развитой личностью. Скульптор разработал такой образ труженика, в котором отражаются его гордость и сила, и который не стыдится своей профессии грузчика или докера. Признавая некоторую идеализацию, с которой Менье создавал своих героев, нужно признать также его огромную историческую заслугу в том, что он одним из первых мастеров сделал центральной темой своего творчества человека, занимающегося физическим трудом, показав его при этом творцом, исполненным внутреннего достоинства.