Самые известные оперные театры мира: список. Краткая история балета Балетные труппы мировых театров

Самые лучшие и большие оперные театры мира потрясают своим великолепием и красотой. Известный американский фотограф и путешественник Дэвид Левенти на протяжении пяти лет фотографировал эти архитектурные шедевры. Свой проект он назвал «Портреты театров».

Давайте же и мы насладимся его удивительными фотографиями, которые передают все величие и красоту внутреннего роскошного убранства театральных залов.

В интерьерах театров преобладают лепнина, позолота, бархатные сиденья, изысканные ложи и огромные люстры-канделябры.

Большой театр, Москва, Россия

Большой театр — один из крупнейших российских и мировых театров оперы и балета. Комплекс зданий располагается в центре Москвы на Театральной площади.

Вначале это был казенный театр, который составлял совместно с Малым единую московскую труппу императорских театров. Периодически статус его менялся: он подчинялся московскому генерал-губернатору, затем - петербургской дирекции. Это продолжалось вплоть до революции 1917 года — после национализации произошло полное разделение Малого и Большого театров.

Мариинский театр, Санкт-Петербург, Россия

Знаменитый российский театр оперы и балета Санкт-Петербурга, его филиал есть и во Владивостоке. Был основан в 1783 году императрицей Екатериной Великой. Входил в состав Императорских театров России.

Соответствующий Указ гласил, что театр служит «для управления зрелищами и музыкой».

Опера Гарнье, Париж, Франция

Парижская опера Гарнье — один из самых известных театров оперы и балета мира.

Расположен он во дворце Гарнье в одном из округов города, около одноименной станции метро. Сооружение является образцом эклектической архитектуры в стиле боз-ар.

Одно время театр называли просто Парижской оперой.

Опера «Монте-Карло», Монте-Карло, Монако

Опера в Монако возведена по проекту архитектора Шарля Гарнье в 1870-х годах по заказу князя Карла III. Выгодное географическое расположение (берег Средиземного моря), а также проведение железной дороги стало приоритетными факторами, которые повлияли на принятие решения о строительстве театра.

Зал театра рассчитан на 524 места. В нем можно насладиться инструментальной музыкой, оперой, балетом, а ранее и художественным чтением в исполнении актрисы Сары Бернар.

Театр Ла Фениче, Венеция, Италия

Этот венецианский оперный театр открылся в мае 1792 года премьерой оперы Паизиелло «Агригентские игры».

Название оперы произошло от следующего обстоятельства — театр два раза возрождался как феникс из пепла. Первый раз после пожара 1774 года и второй — после судов. Театр горел еще в 1837 и 1996 годах, но его каждый раз восстанавливали, последняя реставрация длилась 8 лет.

В период Первой мировой войны опера была закрыта.

Ла Скала, Милан, Италия

Знаменитый миланский оперный театр Ла Скала был основан в 1778 году. Проектировал здание архитектор Джузеппе Пьермарини в 1776-1778 гг. на месте церкви Санта-Мария делла Скала — отсюда и название.

Оперный театр Сан-Карло, Неаполь, Италия

Оперный театр Сан-Карло — один из старейший европейских оперных театров. Его построили по приказу Карла III на месте старого здания оперы Сан-Бартоломео. Открытие состоялось в ноябре 1737 года постановкой оперы неаполитанского композитора Доменико Сарро «Ахилл на Скиросе».

В 1816 году в театре произошел пожар. Восстановлением сооружения занимался архитектор Антонио Никколини.

Здание реставрировалось в 1845 и 1854 годах, а также после бомбежек 1943 года. В театре 1386 зрительных мест.

Муниципальный театр, Пьяченца, Италия

Один из местных шедевров Италии – здание Муниципального театра в Пьяченца. С момента своего открытия опера представила на суд зрителей практически все классические основные произведения мирового оперного репертуара.

Румынский Атенеум, Бухарест, Румыния

Здание румынской оперы построили в центре Бухареста по проекту известного архитектора из Франции — Альберта Галлерона. Основные строительные работы закончили в 1888 году.
На первом этаже здания располагается красивый конференц-зал с прекрасными декорациями. Над ним — аудитория на 650 мест. Зал украшен фреской высотой 75 м с историческими сюжетами. Румынский Атенеум — главный концертный зал Бухареста.

Оперный театр Дроттнингхольм, Стокгольм, Швеция

Театр был построен в 1766 году по проекту Карла Аделькранца. Основные тона здания — светло-желтые, колонн или балконов здесь нет. Оперный театр напоминает административное здание. Такая внешняя простота с лихвой компенсируется внутренним содержанием театра.

Оперный театр «Колон», Буэнос-Айрес, Аргентина

Знаменитый аргентинский оперный театр. В середине 1850-х годов в этой стране опера была на пике своей популярности и расцвета. В апреле 1857 года состоялось торжественное открытие театра постановкой оперы Джузеппе Верди «Травиата». Здание вмещает около 2 500 зрителей.

Метрополитен Опера, Нью-Йорк, США

Эта американская оперная труппа была основана в 1880 году в качестве альтернативы Музыкальной академии. Метрополитен Опера — один из самых известных и престижных оперных театров мира.

Оперный театр Осло, Осло, Норвегия

Норвежский национальный оперный театр расположен на берегу Осло-фьорда (полуостров Бьорвик). Он является государственным учреждением, которым управляет правительство Норвегии. Оперный театр Осло — одно из больших общественных зданий в стране.

Оперный театр Four Seasons Centre, Торонто, Канада

Оперный театр в Торонто является главной сценической площадкой Канадской оперы и Национального балета Канады. Открытие оперы состоялось в 2006 году.

Королевский оперный театр Ковент-Гарден, Лондон, Великобритания

В Королевском оперном театре Ковент-Гарден можно насладиться оперными и балетными спектаклями.

Это здание театра - третье по счету, которое было построено на этом месте. Театр был возведен в 1858 году и реконструирован в 1990-е годы. Зал рассчитан на 2268 зрителей.

Королевский оперный театр, Стокгольм, Швеция

Этот шведский оперный театр был построен в 1782 году. Сегодня репертуар театра состоит из оперных спектаклей и балетов.

Также в театре есть свой симфонический оркестр.

Баварская государственная опера, Мюнхен, Германия

Немецкий оперный театр построен в 1653 году. Вместе с Баварским государственным балетом Баварская опера дает 350 оперных и балетных представлений в год.

Венгерский государственный оперный театр, Будапешт, Венгрия

Крупнейший театр Венгрии был основан в 1884 году, в то время оперная труппа отделилась от Национального театра. Первым директором театра стал был композитор и дирижер Ференц Эркель — автор венгерского гимна.

Коммунальный оперный театр, Болонья, Италия

Коммунальный оперный театр Болоньи был построен на месте Дворца Бентивольо — последнего синьора Болоньи.

Дворец каталонской музыки, Барселона, Испания

Дворец каталонской музыки был построен архитектором Луисом Доменек-и-Монтанер в стиле каталонского модерна. Открытие театра состоялось в 1908 году. В 1997 году Дворец каталонской музыки включили в список всемирного наследия ЮНЕСКО.

Зрители могут посмотреть здесь музыкальные спектакли, послушать концерты симфонической и камерной музыки, джаза и каталонской песни.

Классика - это не только симфонии, оперы, концерты и камерная музыка. Некоторые из самых узнаваемых классических произведений появились в форме балета. Балет возник в Италии в эпоху Возрождения и постепенно превратился в техническую форму танца, которая требовала очень большой подготовки от танцовщиц. Первой созданной балетной труппой был Парижский оперный балет, который сформировался после того, как король Людовик XIV назначил Жан-Батиста Люлли режиссером Королевской Академии музыки. Композиции Люлли для балета считаются многими музыковедами поворотным пунктом в развитии этого жанра. С тех пор популярность балета постепенно угасала, «кочуя» из одной страны в другую, что предоставляло композиторам разных национальностей возможность составить некоторые из их самых известных произведений. Приведем семь самых популярных и любимых балетов в мире.

Чайковский написал в 1891 году этот вневременной классический балет, который является наиболее часто исполняемым балетом современной эпохи. В Америке впервые «Щелкунчик» появился на сцене только в 1944 году (его исполнил балет Сан-Франциско). С тех пор стало традицией ставить «Щелкунчика» в новогодне-рождественский сезон. Этот великий балет не только обладает самой узнаваемой музыкой, но и его история приносит радость как детям, так и взрослым.

Лебединое озеро - самый технически и эмоционально сложный классический балет. Его музыка намного опередила свое время, а многие из его ранних исполнителей утверждали, что «Лебединое озеро» слишком сложно танцевать. На самом деле, об оригинальной первой постановке известно очень мало, а то, к чему все привыкли сегодня, это переработанная известными хореографами Петипа и Ивановым постановка. «Лебединое озеро» всегда будет считаться стандартом классических балетов и будет исполняться на протяжении веков.

Сон в летнюю ночь

Балет «Коппелия» был написан французским композитором Лео Делибом, а хореографию под него поставил Артур Сен-Леон. «Коппелия» - это беззаботная история, изображающая конфликт человека между идеализмом и реализмом, искусством и жизнью, с яркой музыкой и оживленными танцами. Его мировая премьера в Парижской опере была крайне успешной в 1871 году, и балет остается успешным и сегодня, находясь в репертуаре многих театров.

Питер Пен

Спящая красавица

Золушка

Великобритания. До гастролей труппы Дягилева и Анны Павловой в Лондоне в 1910-1920-х годах балет был представлен в Англии главным образом выступлениями отдельных известных балерин на сценах мюзик-холлов, например датчанки Аделины Жене (1878-1970). Своим рождением английский балет обязан двум женщинам, работавшим у Дягилева: Мари Рамбер (1888-1982), уроженке Польши, и Нинет де Валуа (р. 1898), родившейся в Ирландии, но прошедшей школу в Лондоне. Рамбер, ученица музыканта и создателя системы ритмической гимнастики Эмиля Жак-Далькроза, была приглашена Дягилевым в помощь Нижинскому, когда тому пришлось работать над весьма сложной в ритмическом отношении партитурой Весны священной Стравинского. В течение нескольких лет она танцевала в кордебалете труппы "Русский балет", затем вернулась в Англию и в 1920 открыла свою школу. Ее ученики выступали, именуясь поначалу "Танцовщиками Мари Рамбер", затем в составе "Балетного клуба", в крохотном театре "Меркьюри", расположенном в районе Ноттинхилл-Гейт в Лондоне. Именно у Рамбер начали свою карьеру многие знаменитые английские артисты, в том числе хореографы Фредерик Аштон и Энтони Тюдор. Оба обратились к танцу уже будучи взрослыми юношами, но очень скоро начали ставить небольшие балеты у Рамбер. В 1930-х годах на их постановках выросло целое поколение молодых английских танцовщиков. Де Валуа, тоже танцевавшая в труппе Дягилева, уйдя от него, открыла в Лондоне школу, которая вскоре вошла в состав театра "Сэдлерс Уэллс", и в 1931 году из ее учеников образовался коллектив "Вик Уэллс балле"; в 1948 он получил название "Сэдлерс Уэллс балле". Аштон объединил усилия с Нинет де Валуа для создания балетов, выявивших дарования воспитанных де Валуа молодых артистов Марго Фонтейн (1919-1991), Берил Грей (р. 1927), Роберта Хелпмана (1909-1986), Мойры Ширер (р. 1926). При их участии на протяжении последующих сорока лет выработался специфически английский стиль балетного спектакля и исполнительства, которому свойственны виртуозность, драматизм и чистый классический лиризм. В числе постановок Аштона - полные юмора (Фасад, 1931, музыка Уильяма Уолтона; Тщетная предосторожность, 1960, музыка Фердинана Герольда в обработке Джона Ланчбери) и трагические (Ундина, 1958, музыка Х.В.Хенце; Месяц в деревне,1976, на музыку Ф.Шопена), бессюжетные (Симфонические вариации, 1946, на музыку С.Франка; Монотонности 1 и Монотонности 2, 1965, 1966, на музыку Э.Сати) и повествовательные (Золушка, 1948, музыка Прокофьева; Сон, 1964, на музыку Ф.Мендельсона в обработке Ланчбери). Аштон охотно создавал балеты на основе литературных произведений: например, его Сон основан на пьесе Шекспира Сон в летнюю ночь, а Месяц в деревне на одноименной пьесе Тургенева. Музой Аштона стала Марго Фонтейн, талант которой как балерины, развивался одновременно с его хореографическими экспериментами. Свой последний балет для нее он создал в 1963: это Маргарита и Арман (на основе Дамы с камелиями Александра Дюма-сына и на музыку Ф.Листа). В это время Фонтейн, которой было уже за сорок, пережила как бы вторую сценическую молодость, обретя нового партнера в лице танцовщика Рудольфа Нуреева, эмигрировавшего из Советского Союза. Источником вдохновения для Аштона служили таланты самых разных исполнителей: драматизм, свойственный Линн Сеймур (р. 1939) или Кристофера Гейбла (1940-1998), блестящая техника и одновременно эмоциональность, проявившиеся в дуэте Антони Доуэлла (р. 1943) и Антониет Сибли (р. 1939). К сожалению, после смерти Аштона (1988) его постановки не сохраняются с той же тщательность, с какой берегут в Америке балеты Баланчина или Тюдора. В 1930-х годах Нинет де Валуа пригласила эмигрировавшего из России режиссера Мариинского театра Николая Сергеева (1876-1951) для постановки классических балетов 19 в., чтобы обогатить репертуар и предоставить артистам возможность освоить ранее непривычные танцевальные формы. К 1956 "Сэдлерс Уэллс балле" стал называться Королевским балетом и выступал в Королевском оперном театре "Ковент Гарден". В его репертуаре в 1960-е и 1970-е годы, наряду с традиционными классическими произведениями и постановками Фредерика Аштона, появились драматические балеты Кеннета Макмиллана. Его спектакли отличаются подчеркнутым драматизмом, они насыщены акробатическими па и поддержками, служащими выражением напряженных эмоций. Наиболее удачными спектаклями Макмиллана были многоактные Ромео и Джульетта (музыка Прокофьева, 1965) и Манон (1974, на музыку Ж.Массне в аранжировке Лейтона Люкаса), которые ставятся во многих странах. Аштон, руководивший Королевским балетом с 1963, после ухода де Валуа, ушел в отставку в 1970. До 1977 труппа работала под началом Макмиллана, затем Нормана Морриса (р. 1931), бывшего танцовщика "Балле Рамбер", которому были особенно близки танцевальные идеи американской танцовщицы и хореографа Марты Грэхем (1894-1991). В 1986 во главе коллектива встал Доуэлл, танцовщик, работавший с Аштоном, в то время как Макмиллан оставался одним из хореографов труппы до самой смерти в 1992. На его место балетмейстера пришел Девид Бинтли (р. 1957), чьи балеты, иногда драматические, иногда бессюжетные, весьма разнообразны по стилю и жанру. Доуэлл ввел в репертуар постановки Баланчина и Роббинса, а также работы У.Форсайта и некоторых танцовщиков труппы. Он пригласил в качестве гостей танцовщиков из России, Франции и США, но одновременно уделял внимание собственным артистам: при нем расцвели дарования Дарси Бассел (р. 1969) Вивианы Дюранте (р. 1967). В ответ на критику, указывавшую на недостаток внимания к наследству Аштона, Доуэлл организовал в сезоне 1994-1995 Фестиваль Королевского балета. На протяжении 1940-х и 1940-х годов труппа "Балле Рамбер" продолжала ставить новые балеты, сохраняя в репертуаре подлинники классических балетов, рассчитанные на небольшой состав. В 1966 труппа была реорганизована, полностью отказавшись от традиционных спектаклей и сохраняя лишь произведения в стиле танца модерн. В 1987 ее руководителем стал Ричард Олстон (р. 1948), находившийся под влиянием преимущественно стиля американского хореографа Мерса Каннингема (р. 1919). В 1994 этот пост занял Кристофер Брюс (р. 1945), бывший ведущий танцовщик и балетмейстер труппы. В числе других английских трупп - Английский национальный балет, который имеет своим прямым предшественником коллектив, основанный в 1949 бывшими дягилевскими танцовщиками Алисией Марковой и Антоном Долиным (1904-1983), который в течение многих лет носил название "Лондон фестивал балле". В 1984 возглавлявший труппу датчанин Питер Шауфус (р. 1949) возобновил балет Аштона Ромео и Джульетта, который к этому времени был практически забыт. В 1990 руководителем труппы стал Айвен Надь. Королевский балет всегда содержал вторую, небольшую по составу передвижную труппу. В 1990-х годах она обосновалась в Бирмингеме и теперь известна как Бирмингемский королевский балет.
Советская Россия и другие страны. В России балет не терял своей значимости в годы после Первой мировой войны и при советской власти, даже когда политическая и экономическая ситуация, казалось, угрожала самому существованию Большого и Мариинского (носившего после Октябрьской революции название Государственного театра оперы и балета, ГОТОБ, а с 1934 - имя С.М.Кирова) театров. 1920-е годы - период интенсивных экспериментов как в области формы, так и содержания балетного спектакля. Появляются и постановки Пролеткульта на политические и социальные темы, и в Москве работы Касьяна Голейзовского (1892-1970), а в Петрограде (в 1924 переименованном в Ленинград) разнообразные постановки Федора Лопухова (1886-1973), в том числе его Величие мироздания (1922) на музыку Четвертой симфонии Бетховена. Красный мак на музыку Р.М.Глиэра, балет, поставленный в 1927 Василием Тихомировым (1876-1956) и Львом Лащилиным (1888-1955) в Москве, послужил прототипом многих последующих советских балетов: это многоактный спектакль, темой которого служат благородные страсти и героические поступки, а специально написанная музыка носит симфонический характер. Такие балеты, как в 1932 Пламя Парижа Василия Вайнонена (1901-1964), а в 1934 Бахчисарайский фонтан Ростислава Захарова (1907-1984) - оба с музыкой Бориса Асафьева, как в 1939 Лауренсия (музыка Александра Крейна) Вахтанга Чабукиани (1910-1992) и в 1940 Ромео и Джульетта Леонида Лавровского (1905-1967) (музыка Прокофьева), могут служить примером тех эстетических принципов, которым следовали не только главные труппы - Театр им. С.М.Кирова в Ленинграде и Большой театр в Москве - но и все примерно 50 театров, которые работали в стране. Хотя отдельные находки 1920-х годов и сохранялись, преобладали спектакли, ориентированные на советскую политическую идеологию, а манеру исполнения отличали кантиленность в исполнении движений и гибкость (особенности в области рук и спины), при одновременной разработке высоких прыжков, акробатических поддержек (например, высокий подъем на одной руке кавалера) и стремительных верчений, что придавало советским балетам особую драматическую экспрессию. Одним из педагогов, способствовавшим выработке этого стиля, была Агриппина Ваганова (1879-1951). Бывшая танцовщица Мариинского театра, она начала преподавать по окончании своей исполнительской карьеры. Став педагогом Ленинградского хореографического училища, Ваганова выработала программу и учебник классического танца и готовила своих учениц, чтобы они могли исполнять как великие романтические балеты прошлого, так и новые советские, с их виртуозной техникой. По всему Советскому союзу, а также в Восточной Европе в основу обучения была положена система Вагановой. Зрители в Западной Европе и США были практически не знакомы с советским балетом до середины 1950-х годов, когда балетные труппы Театра им. Кирова и Большого театра впервые выехали на гастроли на Запад. Интерес к нему вызвало поразительное мастерство балерин Большого театра Галины Улановой (1910-1998), с проникновенным лиризмом передавшей чувства Жизели и Джульетты, и Майи Плисецкой (р. 1925), поразившей своей блистательной техникой в роли Одетты-Одилии в Лебедином озере. В то время как Большой театр воплощал наиболее эффектные особенности советского стиля, классическая чистота танцовщиков Кировского театра нашли выражение у таких артистов, как Наталья Дудинская (р. 1912) и Константин Сергеев (1910-1992), способствовавших возрождению традиций Петипа. Больших успехов добились следующие поколения артистов: Екатерина Максимова (р. 1939), Владимир Васильев (р. 1940), Наталья Бессмертнова (р. 1941) и Вячеслав Гордеев (р. 1948) в Большом театре, Ирина Колпакова (р. 1933), Алла Сизова (р. 1939) и Юрий Соловьев (1940-1977) в Кировском театре. В 1961 Нуреев, один из ведущих танцовщиков Кировского театра, остался на Западе во время гастролей труппы во Франции. Два других видных артиста того же театра - Наталья Макарова и Михаил Барышников - поступили так же (Макарова - в Лондоне в 1970, Барышников - в Канаде в 1974). В 1980-х годах административное и политическое давление на искусство в Советском Союзе ослабло, Олег Виноградов (р. 1937), руководивший балетной труппой Театра им. Кирова с 1977, начал вводить в репертуар балеты Баланчина, Тюдора, Мориса Бежара (р. 1927) и Роббинса. Менее склонен к новшествам был Юрий Григорович (р. 1927), который с 1964 стоял во главе балета Большого театра. Его ранние постановки - Каменный цветок (музыка Прокофьева, 1957) и Спартак (музыка А.И.Хачатуряна, 1968) - типично советские спектакли. Григорович опирается на зрелищные эффекты, уверенно управляет большой массой энергично двигающихся танцовщиков, широко пользуется народным танцем, предпочитает героические сюжеты. В течение многих лет на сцене Большого театра шли почти исключительно балеты Григоровича или его переделки старинных спектаклей, таких как Лебединое озеро. К концу 1980-х годов Ирек Мухамедов (р. 1960) и Нина Ананиашвили (р. 1963) из Большого театра, а также Алтынай Асылмуратова (р. 1961) и Фарух Рузиматов (р. 1963) из Театра им. Кирова получили разрешение выступать с ведущими балетными труппами на Западе, затем вошли в состав этих коллективов. Даже Виноградов и Григорович стали искать возможность проявить свои таланты вне России, где государственное финансирование театров значительно сократилось после распада СССР в 1991. В 1995 Григорович был заменен на посту руководителя балета Большого театра Владимиром Васильевым. Другие труппы в Санкт-Петербурге - балет Малого театра оперы и балета им. М. П. Мусоргского (до 1991 именовался Малым театром оперы и балета), Санкт-Петербургский "Театр балета Бориса Эйфмана", который возглавляет хореограф Борис Эйфман (р. 1946), труппа Хореографические миниатюры, созданная Леонидом Якобсоном (1904-1975), работавшим в Театре им. Кирова в 1942-1969, чьи работы получили известность на Западе. В Москве работает труппа Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко, Театр классического балета. Внимания заслуживает труппа "Эксперимент", созданная в Перми Евгением Панфиловым (р. 1956). Распад Советского Союза и последовавший экономический кризис принес огромные трудности балетным труппам, которые до этого щедро субсидировались государством. Многие танцовщики и педагоги покинули страну, чтобы обосноваться в США, Англии, Германии и других западных странах. В период холодной войны многие страны восточной Европы, входившие в советский блок, следовали советским принципам как в обучении танцовщиков, так и в постановке спектаклей. Когда границы открылись, многие артисты из этих стран, особенно из Венгрии и Польши, приобщились к достижениям хореографии приезжавших к ним западных трупп, и сами стали выезжать за пределы своих стран.
Франция. Французский балет в начале 20 в. находился в состоянии кризиса. Русские артисты, которых приглашали в Парижскую оперу, в частности из труппы Дягилева были много сильнее французских исполнителей. После смерти Дягилева ведущий танцовщик его труппы Сергей Лифарь (1905-1986), некогда приехавший во Францию с Украины, возглавил балет Парижской оперы и оставался на этом посту в 1929-1945, затем в 1947-1958. Под его руководством выросли прекрасные танцовщики, прежде всего замечательная лирическая балерина Ивет Шовире (р. 1917), прославившаяся исполнением роли Жизели. Наиболее интересные эксперименты в сфере хореографии проводились за пределами Парижской оперы, в частности, Роланом Пети и Морисом Бежаром. Пети (р. 1924) ушел из Оперы в 1944 и создал "Балет Елисейских полей", где поставил, в числе других спектаклей, балет Юноша и Смерть (1946, на музыку И.С.Баха) для молодого и динамичного танцовщика Жана Бабиле (р. 1923). Затем для труппы "Балет Парижа" он создал одну из своих самых знаменитых и имевших долгую жизнь постановок - Кармен (1949, на музыку Ж.Бизе) с Рене (Зизи) Жанмер (р. 1924). Чувство театральности, которым наделен Пети, позволило ему работать в самых различных жанрах и участвовать в коммерческих мероприятиях. В 1972-1998 он возглавлял труппу "Национальный балет Марселя", где поставил много стильных и остро театральных спектаклей. Вслед за Лифарем труппу Парижской оперы возглавляли один за другим такие известные мастера, как Харалд Ландер (1905-1971), Жорж Скибин (1920-1981), Виолетта Верди и Розелла Хайтауэр (р. 1920). Репертуар обогатился за счет произведений Пети и Бежара, Баланчина, Роббинса, Григоровича, Глена Тетли, а также представителей американского танца модерн Пола Тейлора (р. 1930) и Мерса Каннингема. В 1983 на пост руководителя был назначен Рудольф Нуреев. Он уделил особое внимание развитию таких балерин, как Сильви Гийем (р. 1965) и Изабель Герен (р. 1961), и предоставил труппе возможность пробовать силы в хореографических произведениях самых разных направлений, одновременно сохраняя классику. После ухода Нуреева (1989) в труппу вернулся, теперь уже в качестве руководителя, ее бывший ведущий танцовщик, имевший звание "звезды", Патрик Дюпон (р. 1959). В 1970-х и 1980-х годах французские провинциальные труппы стали получать государственную поддержку и приобрели международную известность. Особого внимания заслуживает труппа "Балет департаментов Рейна", которая под руководством Жана Поля Гравье показала несколько реконструкций спектаклей 18 в., сделанных на основе тщательных исторических исследований, предпринятых шведским хореографом Иво Крамером (р. 1921), в частности, балеты Тщетная предосторожность Доберваля и Медея и Язон Новерра (музыка Жана Жозефа Родольфа). "Балет Лионской оперы" исполняет стилизованные драматические танцевальные представления, поставленные хореографом Маги Марен (р. 1947).
Дания. Балет в Дании вступил в 20 в., в состоянии застоя. Здесь благодаря Хансу Беку сохраняли наследие Августа Бурнонвиля, но отсутствие инициативы привело к тому, что развитие Королевского балета в Копенгагене прекратилось. Некоторое оживление его деятельности наступило в период 1932-1951, когда труппу возглавлял Харалд Ландер (Ланнер), ученик Бека. Ландер сохранял произведения Бурнонвиля, по возможности в их первоначальной редакции, но также ставил собственные балеты: самый известный из них - Этюды (1948, на музыку К.Черни в обработке Кнудоге Рисагера), где на сцену вынесены и театрализованы основные компоненты балетного учебного класса. В 1951 Ландер назначил художественным консультантом труппы Веру Волкову (1904-1975), в ту пору самого авторитетного на Западе знатока системы Вагановой. Ее усилиями датские танцовщики освоили новую технику, что открыло перед ними новые возможности при исполнении произведений разных стилей. Труппа вышла из изоляции, гастролировала в Европе, России, на американском континенте. Изящество и радостное оживление, свойственные стилю Бурнонвиля, произвели самое благоприятное впечатление, равно как и бравурность танца, отличавшая исполнение датских танцовщиков, в первую очередь Эрика Бруна. Подготовка танцовщиков-мужчин была признана одним из главных достижений датской школы. В 1960-х и 1970-х годах необычайно возрос интерес к истории балета, и спектакли Бурнонвиля стали изучаться как наиболее достоверный пример сохранившихся романтических балетных произведений, что побудило датский Королевский балет провести в 1979 и 1992 фестивали балетов Бурнонвиля. После Ландера коллектив работал под началом многих артистов, в числе которых Флемминг Флиндт (р. 1936), Хеннинг Кронштам (р. 1934) и Франк Андерсен (р. 1954). В 1994 труппой руководил Петер Шауфус, а в 1996-1999 - англичанка Майна Гилгуд (р. 1945). Репертуар датского Королевского балета постепенно расширялся за счет произведений иностранных хореографов, одновременно балеты Бурнонвиля стали включать в репертуар танцевальных коллективов по всему миру. В 1982 "Национальный балет Канады" поставил целиком балет Неаполь (музыка Нильса Вильгельма Гаде, Эдварда Матса Эббе Хельстеда, Хольгера Симона Паулли и Ханса Кристиана Лумбю), а в 1985 "Балле Уэст" в американском городе Солт-Лейк-Сити (шт. Юта), руководимый Брюсом Марксом и Тони Ландер, показал реконструкцию балета Абдалла (музыка Хольгера Симона Паулли), который до этого не исполнялся на протяжении 125 лет.
Германия. На протяжении первой половины 20 в. в Германии наиболее значительным явлением было развитие свободного танца, получившего здесь наименование "выразительного" - Ausdruckstanz. После Второй мировой войны правительства ФРГ и ГДР немало внимания уделили поддержке балетных трупп. Во всех основных городах Западной Германии были при оперных театрах были созданы самостоятельные балетные коллективы, которые ставили свои спектакли, одновременно участвуя в операх. Джон Кранко из Англии (1927-1973), выступавший и поставивший ряд спектаклей в английской труппе "Сэдлерс Уэллс тиэтр балле", возглавил балет Штутгарта в 1961 и сформировал обширный репертуар из собственных многоактных спектаклей, во многом напоминающих по стилю советские балеты, богатые драматизированными танцами. Это Ромео и Джульетта (музыка Прокофьева, 1962). Онегин (1965, на музыку Чайковского в обработке К. Х. Штольце) и Укрощение строптивой (1969, на музыку А.Скарлатти в обработке К.-Х.Штольце), балеты, успех которых немало зависел от участия в них замечательной танцовщицы Марсии Хайде (р. 1939), бразильянки по происхождению, и ее партнера американца Ричарда Крэгана (р. 1944). Труппа вскоре приобрела мировую славу; после безвременной кончины Кранко ее возглавил Глен Тетли, поставивший в память Кранко балет Соло на органе (Voluntaries, 1973, на музыку Ф.Пуленка). В числе главных достижений Кранко была созданная им творческая мастерская, где могли экспериментировать молодые хореографы. Здесь начали работать, в частности, американцы Уильям Форсайт и Джон Ноймайер (р. 1942), а также чех Иржи Килиан (р. 1947). Все они стали ведущими хореографами в балетных театрах Европы последующих десятилетий. Ноймайер возглавил в 1973 балет в Гамбурге и создал там богатый репертуар, одновременно из собственных редакций классических спектаклей и оригинальных постановок на религиозные и философские темы, где использовал музыку Малера, Стравинского и Баха. Его балет Страсти по св. Матфею (1981) длился четыре часа. Форсайт вошел в состав труппы "Штутгартский балет" незадолго до смерти Кранко и танцевал здесь, одновременно ставя спектакли, до 1984, когда был приглашен на пост руководителя "Балета Франкфурта". Находясь под влиянием идей, распространенных в современной литературе, Форсайт применил их в балете. В его хореографии налицо та же фрагментарность, которая отличает литературу эпохи постмодерна, в танец часто включены словесные отрывки, используются приемы, относящиеся к другим видам искусства. Техника танца основана на предельной энергии, нарушении естественного равновесия, и цель ее - передать романтические взаимоотношения в момент наивысшего напряжения. Таковы балеты Любовные песни (1979, музыка народная) и Посередине, на некотором возвышении (In the middle, somewhat elevated, музыка Лесли Штука и Тома Вилемса), который был поставлен Форсайтом по приглашению Нуреева в Парижской опере в 1988. Форсайт охотно использовал в своих постановках резкую по звучанию электронную музыку голландца Тома Виллемса, которая способствовала созданию атмосферы отчужденности и неясной тревоги.
Нидерланды. До Второй мировой войны в Нидерландах наиболее сильным было влияние немецкого свободного танца. После войны возрос зрительский интерес к балету и в Амстердаме была создана труппа "Голландский национальный балет". В 1959 ряд танцовщиков и хореографов, покинув эту труппу, основали "Нидерландский танцевальный театр", который обосновался в Гааге и посвятил себя исключительно современной хореографии. Эти две труппы часто обменивались как артистами, так и спектаклями. Ханс ван Манен (р. 1932) и Руди ван Данциг (р. 1933), художественный руководитель "Голландского национального балета", вместе с Гленом Тетли формировали репертуар "Нидерландского танцевального театра". В основе творчества Тетли лежат разные влияния: это и Ханья Хольм (1898-1992) и Марта Грэхем, и Джером Роббинс, и "Американ балле тиэтр"; недаром он использует в своих постановках как пальцевую технику балета, так и перегибы корпуса и подчеркнуто экспрессивные руки, свойственные танцу модерн, но не пользуется прыжками и заносками, разработанными в классическом танце. Балеты ван Данцига и ван Манена сходны с балетами Тетли в том, что в них налицо смешение разных технических приемов. Впечатляющая работа ван Данцига Памятник умершему юноше (1965, музыка Яна Бермана) исполнялась многими балетными труппами мира. В 1978 руководителем "Нидерландского танцевального театра" стал Иржи Килиан, которого нередко сравнивают с Тюдором, потому что оба они затрагивают волнующие людей темы и предпочитают использовать музыку композиторов Центральной Европы. Килиан к смешанному стилю своих предшественников добавил новые качества: широкое использование движений, исполняемых лежа на полу, драматические скульптурные эффекты, высокие поддержки и вращения. Его созданные на музыку Л.Яначека и исполняемые во многих странах балеты Возвращение в чужую страну (1974 и 1975 - две редакции) и Симфониетта (1978) демонстрируют возможности, которые открываются, когда рисунок танца строится на близко располагаемых друг к другу фигур танцующих. Заинтересовавшись культурой австралийских аборигенов, хореограф создал в 1983 балеты Постоянно посещаемое место (Stamping Ground, музыка Карлоса Чавеза) и Время сна (Dreamtime, музыка Такемицу). В начале 1990-х годов Килиан присоединил к основной труппе еще одну труппу - "Нидерландский театр 3". "Балет Скапино", работающий в Роттердаме под руководством Нильса Кристе (р. 1946), - еще одна голландская труппа, привлекшая внимание своими современными по духу постановками.
Балетное искусство во всем мире. По мере того как к середине 20 в. возрастала роль балета, труппы стали создаваться почти во всех странах обеих Америк, Европы, Азии, в том числе в некоторых районах Средней Азии и Африки, а также в Австралии и Новой Зеландии. Балет нашел себе место даже в странах с собственной богатой танцевальной традицией, таких, как Испания, Китай, Япония и Малая Азия. Морис Бежар, выросший в послевоенной Франции, создал в 1960 труппу "Балет ХХ века" в Брюсселе. Эта труппа, как и организованная при ней весьма необычная школа под названием "Мудра", имела целью пропагандировать искусство балета, демонстрируя танцевальные драмы, основанные на психологии и современных философских идеях. Многие спектакли шли на стадионах, чтобы их могло видеть как можно больше зрителей. Бежар опровергал часто цитируемое утверждение Баланчина, что "балет - это женщина", и уделял главное внимание танцовщикам-мужчинам: например, в балете Жар-птица (на музыку сюиты Стравинского, 1970) он заменил исполнительницу главной партии юношей, который изображает партизана. Тем не менее в его труппе в течение пяти лет танцевала ведущая балерина Баланчина Сьюзен Фаррелл, временно покинувшая нью-йоркскую труппу после того как она вышла замуж. В 1987 Жерар Мортье, директор брюссельского "Театр де ля Моннэ", при котором работал "Балет ХХ века", предложил Бежару сократить расходы и уменьшить состав труппы. Не согласный с этими требованиям Бежар стал искать другое место, где он мог бы продолжить работу. Ему были сделаны многочисленные предложения из разных стран Европы, и он выбрал Лозанну в Швейцарии. Теперь его труппа носит название "Балет Бежара". В последние десятилетия 20 в. итальянская балерина Карла Фраччи, Алессандра Ферри (р. 1963) и Вивиана Дюранте, ведущая танцовщица английского Королевского балета, с огромным успехом выступали за пределами Италии, но у себя на родине не нашлось театра, где они могли бы найти достойное применение своим талантам. В Испании, где традиции национального танца по-прежнему сильнее любых новшеств, все же появился местный хореограф, приверженный классическому балету, - Начо Дуато (р. 1957), который возглавляет "Балет лирико насионал". Дуато, в прошлом артист "Нидерландского танцевального театра", ставит танцы, которые сочетают кантиленность, свойственную Килиану, с неистовой страстностью. В 1920-х годах шведский импресарио Рольф де Маре (1898-1964) основал в Париже труппу "Шведский балет", хореографом которой был Жан Берлин (1893-1930). Этот коллектив ставил смелые эксперименты и на протяжении немногих лет своего существования, с 1920 по 1925, соперничал с "Русским балетом Дягилева". Королевским шведским балетом, находившимся с 1773 в здании Королевской оперы в Стокгольме, руководил в 1950-1953 Антони Тюдор. В 1950 здесь прошла премьера балета Биргит Кульберг (р. 1908) Фрекен Юлия (музыка Туре Рангстрема), который до сих пор исполняется многими труппами мира. В 1963 Тюдор, вновь приглашенный в Королевский балет, поставил Эхо труб (на музыку Богуслава Мартину). Биргит Кульберг, учившаяся у Курта Йоосса и Марты Грэхем, основала собственную труппу в 1967 и экспериментировала над соединением в одном спектакле классической хореографии и танца модерн. Ее сын Матс Эк (р. 1945), возглавлявший "Кульберг балле" с 1990, осуществил там совершенно новые, ни в чем не напоминающие традиционные постановки балетов Жизель и Лебединое озеро. В 20 в. возникли три значительные канадские труппы: "Королевский Виннипегский балет", основанный под названием "Виннипегский балетный клуб" в 1938 и к 1949 ставший профессиональной труппой; "Национальный балет Канады", созданный в Торонто в 1951; и "Большой Канадский балет", начавший свою деятельность в Монреале в 1957. "Национальный балет Канады" основала Селия Франка (р. 1921), которая выступала в английских труппах "Балле Рамбер" и "Сэдлерс Уэллс балле". Опираясь на опыт "Сэдлерс Уэллс балле", она начала с постановки классических балетов 19 в. Франка руководила труппой до 1974, затем ее сменил Александер Грант (р. 1925). В 1994-1996 руководителем труппы был Рейд Андерсон (р. 1949), а в 1996 на этот пост был назначен Джеймс Куделька (р. 1955). Быстро развивался балет на Кубе. Алисия Алонсо, одна из самых известных балерин "Американ балле тиэтр" в США, вернулась на родину после революции Фиделя Кастро в 1959 и создала труппу "Национальный балет Кубы". Сценическая жизнь самой Алонсо была очень долгой, она перестала выступать лишь в возрасте шестидесяти с лишним лет. В Буэнос-Айресе в разное время работали многие великие танцовщики и хореографы, в частности Нижинская и Баланчин. Аргентинцы Хулио Бокка и Палома Эррера (р. 1975), ставшие ведущими танцовщиками "Американ балле тиэтр", начали обучаться танцу в Буэнос-Айресе. Многие русские танцовщики после революции 1917 уезжали из страны через азиатскую границу. Некоторые из них временно или навсегда обосновались в Китае. После Второй мировой войны в Китае работали педагоги и балетмейстеры из СССР. В период китайской культурной революции 1960 советское влиянию ослабло, и стали создаваться национальные произведения, такие, как Красный женский батальон или Седая девушка (оба в 1964). Эти спектакли - образцы направления, отрицающего лиризм в балете как упадничество, их примечательная черта - железная дисциплина и четкость в массовых танцах, исполняемых кордебалетом на пальцах. По мере того, как в 1970-х и 1980-х годах возрастало иностранное влияние, во многих городах Китая появились новые балетные труппы. Создаются они и в главных городах многих других стран Азии.
Заключение. К концу 20 в. все яснее вырисовались проблемы, стоящие перед балетным искусством. В 1980-е годы, когда умерли Баланчин, Аштон и Тюдор (в 1980-х годах), а Роббинс отошел от активной деятельности, возник творческий вакуум. Большинство молодых хореографов, работавших в конце 20 в., были не слишком заинтересованы в том, чтобы разрабатывать ресурсы классического танца. Они предпочитали смешение разных танцевальных систем, причем классический танец предстает обедненным, а танец модерн - лишенным оригинальности в выявлении телесных возможностей. В стремлении передать то, что составляет существо современной жизни, хореографы пользуются пальцевой техникой как бы для акцентирования мысли, но игнорируют традиционные движения рук (port de bras). Искусство поддержки свелось к некому взаимодействию между партнерами, когда женщину таскают по полу, кидают, кружат, но почти никогда не поддерживают и не танцуют с ней. Большинство трупп строят репертуар, включая в него классику 19 в. (Сильфида, Жизель, Лебединое озеро, Спящая красавица), наиболее знаменитые балеты мастеров 20 в. (Фокина, Баланчина, Роббинса, Тюдора и Аштона), популярные постановки Макмиллана, Кранко, Тетли и Килиана и работы нового поколения хореографов, таких как Форсайт, Дуато, Джеймс Куделька. В то же время танцовщики получают лучшую подготовку, т.к. стало больше знающих учителей. Сравнительно новая область танцевальной медицины открыла танцовщиком доступ к технике предохранения от травм. Существует проблема приобщения танцовщиков к музыке. Распространенная популярная музыка не знает разнообразия стилей, во многих странах обучение музыкальной грамоте стоит на низком уровне, при постановке танцев постоянно используются фонограммы - все это мешает развитию музыкальности у танцовщиков. Новым явлением последних десятилетий стали балетные конкурсы, первый их которых прошел в Варне (Болгария) в 1964. Они привлекают не только премиями, но и возможностью показаться судьям, представляющим самые престижные организации. Постепенно конкурсов стало больше, не менее десяти в разных странах; некоторые предлагают вместе денег стипендии. В связи с потребностью в балетмейстерах возникли также конкурсы хореографов.

• - Первый ный спектакль в Москве - «Балет об Орфее и Евридике» поставлен в 1673 шведом Н. Лимом. В 1773 при московском Воспитательном доме было открыто ное отделение...

  Москва (энциклопедия)

• - классический впервые появился в Японии в 1912 г., когда туда приехал итальянский балетмейстер Джованни Роси, который в течение трех лет преподавал танец в театре "Тэйкоку гэкидзё"...

  Вся Япония

• - бале́т, вид сценического искусства: музыкально-хореографическое театральное представление, в котором все события, характеры и чувства персонажей передаются с помощью танца...

  Художественная энциклопедия

• - - вид сценич. иск-ва; спектакль, содержание к-рого воплощается в муз.-хореографич. образах. На основе общего драматургич. плана Б. соединяет музыку, хореографию и изобразительное иск-во...

  Музыкальная энциклопедия

• - Раскроем томик Пушкина: Театр уж полон; ложи блещут; Партер и кресла -- все кипит; В райке нетерпеливо плещут, И, взвившись, занавес шумит...

  Музыкальный словарь

• - вид театрального искусства, где основным выразительным средством служит так называемый "классический" танец; сценическое произведение, принадлежащее этому виду искусства...

  Энциклопедия Кольера

Кода мы говорим о балете, то всегда подразумеваем творчество , так как именно он вывел этот сценический жанр в разряд серьезных и масштабных музыкально-сценических представлений. У него всего три балета и все три - «Лебединое озера», «Щелкунчик», «Спящая красавица», славятся отменной драматургией и прекрасной музыкой.

Самое популярное балетное произведение Петра Чайковского, которое практически у всех на слуху – « », написанное в1877 году. Множество фрагментов из этого танцевального спектакля - «Танец маленьких лебедей», «Вальс» и другие, уже давно живут своей, отдельной жизнью, как популярные музыкальные композиции. Впрочем, и весь спектакль, который повествует о истории любви, достоин внимания меломанов. Чайковский, который еще при жизни был известен благодаря своему удивительному композиторскому таланту, щедро наградил балет бесчисленным количеством обворожительных и запоминающихся мелодий.

Еще один из лучших балетов в музыкальной истории - « » Чайковского. Это было второе обращение композитора к танцевальному жанру, и если «Лебединое озеро» публика сначала не оценила, то «Красавица» сразу была признана шедевром и шла практически во всех театрах Российской Империи и Европы.

Балет основан на сюжете известной нам еще с детства, сказочной истории Шарля Перро о Спящей красавице, злой фее и всепобеждающей любви. Чайковский дополнил эту историю замечательными танцами сказочных персонажей, а Мариус Петипа – изумительной хореографией, которые все месте стали энциклопедией балетного искусства.

« » - третий и последний балет Петра Чайковского, одна из признанных вершин его творчества, которая обязательно идет во всех театрах Европы в канун Рождества и Нового Года. Сказка Гофмана «Щелкунчик и мышиный король» продолжает тему борьбы зла и добра начатую Чайковским еще в «Лебедином озере», дополняет её элементами фантастики и, естественно, любви и самопожертвования. Философская сказка, многочисленные прекрасные мелодии танцевальных номеров и хореография делают этот балет одним из лучших и самых востребованных классических музыкальных произведений мировой музыки.

В свое время это был один из самых скандальных балетов. Теперь «Ромео и Джульетта» – одна из классических танцевальных постановок во многих театрах мира. Новая, во многом революционная музыка композитора, требовала от труппы новых сценографии и манеры движений. До премьеры, композитору буквально приходилось уговаривать постановщиков и танцоров участвовать в постановке. Впрочем, это не помогло, главные театры страны - Больший и Кировский театры отказались ставить этот спектакль. Только после неожиданного и ошеломительного успеха «Ромео и Джульетты» в Чехословакии, балет поставили в Питере и Москве, а самого Прокофьева наградили Сталинской премией.

Классический спектакль всех танцевальных труп мира – «Жизель» . В основе балета легенда о виллисах - духах невест, умерших от несчастной любви и поэтому преследовавших в бешенном танце всех юношей на своем пути. С момента премьеры в 1841 году «Жизель» не теряла своей популярности у любителей танцевального искусства, и имела множество постановок.

Публикации раздела Театры

Знаменитые русские балеты. Топ-5

К лассический балет - удивительный вид искусства, родившийся в Италии в эпоху зрелого Возрождения, «переехавший» во Францию, где заслуга его развития, включая основание Академии танца и кодификацию многих движений, принадлежала королю Людовику XIV. Франция экспортировала искусство театрального танца во все европейские страны, включая Россию. В середине XIX века столицей европейского балета был уже не Париж, подаривший миру шедевры романтизма «Сильфиду» и «Жизель», а Петербург. Именно в Северной столице в течение почти 60 лет работал великий хореограф Мариус Петипа, создатель системы классического танца и автор шедевров, которые до сих пор не сходят со сцены. После Октябрьской революции балет хотели было «сбросить с корабля современности», но его удалось отстоять. Советское время ознаменовалось созданием немалого количества шедевров. Представляем пять отечественных топ-балетов - в хронологическом порядке.

«Дон Кихот»

Сцена из балета «Дон-Кихот». Одна из первых постановок Мариуса Петипа

Премьера балета Л.Ф. Минкуса «Дон Кихот» в Большом театре. 1869 год. Из альбома архитектора Альберта Кавоса

Сцены из балета «Дон-Кихот». Китри - Любовь Рославлева (в центре). Постановка А.А. Горского. Москва, Большой театр. 1900 год

Музыка Л. Минкуса, либретто М. Петипа . Первая постановка: Москва, Большой театр , 1869, хореография М. Петипа. Последующие постановки: Санкт-Петербург, Мариинский театр , 1871, хореография М. Петипа; Москва, Большой театр, 1900, Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1902, Москва, Большой театр, 1906, все - хореография А. Горского .

Балет «Дон Кихот» - полное жизни и ликования театральное представление, вечный праздник танца, которое никогда не утомляет взрослых и на которое родители с удовольствием ведут детей. Хотя он и называется именем героя знаменитого романа Сервантеса , но отталкивается от одного его эпизода, «Свадьбы Китерии и Базилио», и рассказывает о приключениях молодых героев, любовь которых в конце концов побеждает, невзирая на противодействие упрямого папаши героини, захотевшего выдать ее замуж за богатого Гамаша.

Так что Дон Кихот тут почти ни при чем. Весь спектакль высоченный худой артист в сопровождении низенького пузатенького коллеги, изображающего Санчо Пансу, расхаживает по сцене, порою мешая смотреть сочиненные Петипа и Горским прекрасные танцы. Балет, в сущности, является концертом в костюмах, праздником классического и характерного танца, где всем артистам любой балетной труппы находится дело.

Первая постановка балета состоялась в Москве, куда Петипа время от времени наезжал, дабы поднять уровень местной труппы, которую нельзя было сравнить с блистательной труппой Мариинского театра. Но в Москве дышалось посвободнее, так что балетмейстер, по существу, поставил балет-воспоминание о прекрасных годах молодости, проведенных в солнечной стране.

Балет имел успех, и два года спустя Петипа перенес его в Петербург, что вызвало необходимость переделок. Там характерными танцами интересовались гораздо меньше, чем чистой классикой. Петипа расширил «Дон Кихота» до пяти актов, сочинил «белый акт», так называемый «Сон Дон Кихота», настоящий рай для любителей балерин в пачках, обладательниц хорошеньких ножек. Количество амурчиков в «Сне» достигало пятидесяти двух...

До нас «Дон Кихот» дошел в переделке московского хореографа Александра Горского, который увлекался идеями Константина Станиславского и желал сделать старый балет более логичным и драматически убедительным. Горский разрушил симметричные композиции Петипа, отменил пачки в сцене «Сна» и настаивал на использовании смуглого грима у танцовщиц, изображающих испанок. Петипа обозвал его «свиньей», но уже в первой переделке Горского балет прошел на сцене Большого театра 225 раз.

«Лебединое Озеро»

Декорации к первому преставлению. Большой театр. Москва. 1877 год

Сцена из балета «Лебединое озеро» П.И. Чайковского (балетмейстеры Мариус Петипа и Лев Иванов). 1895 год

Музыка П. Чайковского , либретто В. Бегичева и В. Гельцера. Первая постановка: Москва, Большой театр, 1877, хореография В. Рейзингера. Последующая постановка: Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1895, хореография М. Петипа, Л. Иванова .

Всеми любимый балет, классическая версия которого была поставлена в 1895 году, на самом деле родился восемнадцатью годами ранее в московском Большом театре. Партитура Чайковского, мировая слава которого была еще впереди, была своеобразным собранием «песен без слов» и казалась слишком сложной для того времени. Балет прошел около 40 раз и канул в Лету.

После смерти Чайковского «Лебединое озеро» поставили в Мариинском театре, и от этой версии, ставшей классической, отталкивались все последующие постановки балета. Действию были приданы большая ясность и логичность: балет рассказывал о судьбе прекрасной принцессы Одетты, волею злого гения Ротбарта обращенной в лебедя, о том, как Ротбарт обманул полюбившего ее принца Зигфрида, прибегнув к чарам своей дочери Одиллии, и о смерти героев. Партитура Чайковского была сокращена приблизительно на треть дирижером Рикардо Дриго и переоркестрована. Петипа создал хореографию первого и третьего действий, Лев Иванов - второго и четвертого. Это разделение идеальным образом отвечало призванию обоих гениальных хореографов, второму из которых пришлось жить и умереть в тени первого. Петипа - отец классического балета, создатель безупречно гармоничных композиций и певец женщины-феи, женщины-игрушки. Иванов - балетмейстер-новатор, необычайно чутко чувствующий музыку. В роли Одетты–Одиллии выступила Пьерина Леньяни, «королева миланских балерин», она же первая Раймонда и изобретательница 32 фуэте, самого трудного вида вращения на пуантах.

Можно ничего не знать о балете, но «Лебединое озеро» известно всем. В последние годы существования Советского Союза, когда престарелые лидеры довольно часто сменяли один другого, проникновенная мелодия «белого» дуэта главных героев балета и всплески рук-крыльев с экрана телевизора возвещали о печальном событии. Японцы так любят «Лебединое озеро», что готовы смотреть его утром и вечером, в исполнении любой труппы. Ни одна гастрольная труппа, которых в России и особенно в Москве множество, не обходится без «Лебединого».

«Щелкунчик»

Сцена из балета «Щелкунчик». Первая постановка. Марианна - Лидия Рубцова, Клара - Станислава Белинская, Фриц - Василий Стуколкин. Мариинский театр. 1892 год

Сцена из балета «Щелкунчик». Первая постановка. Мариинский театр. 1892 год

Музыка П. Чайковского, либретто М. Петипа. Первая постановка: Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1892, хореография Л. Иванова .

По книгам и сайтам до сих пор кочует ошибочная информация о том, что «Щелкунчик» поставлен отцом классического балета Мариусом Петипа. На самом деле Петипа сочинил лишь сценарий, а первую постановку балета осуществил его подчиненный, Лев Иванов. На долю Иванова выпала непосильная задача: сценарий, созданный в стиле модного тогда балета-феерии с непременным участием итальянской гастролерши, находился в очевидном противоречии с музыкой Чайковского, которая хоть и была написана в строгом соответствии с указаниями Петипа, но отличалась большим чувством, драматической насыщенностью и сложным симфоническим развитием. Кроме того, героиней балета была девочка-подросток, а балерине-звезде было уготовано лишь финальное па-де-де (дуэт с партнером, состоящий из адажио - медленной части, вариаций - сольных танцев и коды (виртуозного финала)). Первая постановка «Щелкунчика», где первый - по преимуществу пантомимный акт, резко отличался от второго - дивертисментного, не имела большого успеха, критики отмечали лишь Вальс снежных хлопьев (в нем участвовали 64 танцовщицы) и Па-де-де Феи Драже и Принца Коклюша, источником вдохновения для которого послужило Иванову Адажио с розой из «Спящей красавицы», где Аврора танцует с четырьмя кавалерами.

Зато в ХХ веке, который смог проникнуть в глубины музыки Чайковского, «Щелкунчику» было уготовано воистину фантастическое будущее. Не счесть постановок балета в Советском Союзе, странах Европы и США. На российских просторах особенно популярны постановки Василия Вайнонена в ленинградском Государственном академическом театре оперы и балета (ныне Мариинский театр в Санкт-Петербурге) и Юрия Григоровича в московском Большом театре.

«Ромео и Джульетта»

Балет «Ромео и Джульетта». Джульетта – Галина Уланова, Ромео – Константин Сергеев. 1939 год

Миссис Патрик Кемпбепл в роли Джульетты в трагедии Шекспира «Ромео и Джульетта». 1895 год

Финал балета «Ромео и Джульетта». 1940 год

Музыка С. Прокофьева , либретто С. Радлова, А. Пиотровского, Л. Лавровского. Первая постановка: Брно, Театр оперы и балета, 1938, хореография В. Псоты. Последующая постановка: Ленинград, Государственный академический театр оперы и балета им. С. Кирова, 1940, хореография Л. Лавровского .

Если шекспировская фраза в известном русском переводе гласит «Нет повести печальнее на свете, чем повесть о Ромео и Джульетте» , то о написанном на этот сюжет балете великого Сергея Прокофьева говорили: «Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете» . Воистину изумительная по красоте, богатству красок и выразительности партитура «Ромео и Джульетты» в момент ее появления показалась слишком сложной и неподходящей для балета. Артисты балета попросту отказывались под нее танцевать.

Прокофьев написал партитуру в 1934-м, и первоначально она предназначалась не театру, а прославленному Ленинградскому академическому хореографическому училищу для празднования его 200-летия. Проект не был осуществлен в связи с убийством в 1934 году в Ленинграде Сергея Кирова, в ведущем музыкальном театре второй столицы грянули перемены. Не осуществился и план постановки «Ромео и Джульетты» в московском Большом. В 1938 году премьеру показал театр в Брно, и только два года спустя балет Прокофьева наконец был поставлен на родине автора, в театре тогда уже имени Кирова.

Балетмейстер Леонид Лавровский в рамках весьма приветствовавшегося советской властью жанра «драмбалета» (формы хореографической драмы, характерной для балета 1930-50-х годов) создал впечатляющее, волнующее зрелище с тщательно вылепленными массовыми сценами и тонко очерченными психологическими характеристиками персонажей. В его распоряжении была Галина Уланова , утонченнейшая балерина-актриса, которая так и осталась непревзойденной в роли Джульетты.

Партитуру Прокофьева быстро оценили западные хореографы. Первые версии балета появились уже в 40-х годах XX века. Их создателями были Биргит Кулберг (Стокгольм, 1944) и Маргарита Фроман (Загреб, 1949). Известные постановки «Ромео и Джульетты» принадлежат Фредерику Аштону (Копенгаген, 1955), Джону Кранко (Милан, 1958), Кеннету МакМиллану (Лондон, 1965), Джону Ноймайеру (Франкфурт, 1971, Гамбург, 1973).И. Моисеева , 1958, хореография Ю. Григоровича, 1968 .

Без «Спартака» понятие «советский балет» немыслимо. Это настоящий хит, символ эпохи. Советский период разрабатывал иные темы и образы, глубоко отличные от традиционного классического балета, унаследованного от Мариуса Петипа и Императорских театров Москвы и Петербурга. Волшебные сказки со счастливым концом были сданы в архив, и на смену им пришли героические сюжеты.

Уже в 1941 году один из ведущих советских композиторов Арам Хачатурян говорил о намерении написать музыку к монументальному, героическому спектаклю, который должен быть поставлен на сцене Большого театра. Темой для него был выбран эпизод из древнеримской истории, восстание рабов под руководством Спартака. Хачатурян создал красочную партитуру, использующую армянские, грузинские, русские мотивы и насыщенную прекрасными мелодиями и огненными ритмами. Постановку должен был осуществить Игорь Моисеев.

Понадобилось много лет, чтобы его произведение вышло на суд зрителей, и появилось оно не в Большом театре, а в Театре им. Кирова. Хореограф Леонид Якобсон создал потрясающий новаторский спектакль, отказавшись от традиционных атрибутов классического балета, в том числе от танца на пуантах, использовав свободную пластику и обув балерин в сандалии.

Но хитом и символом эпохи балет «Спартак» стал в руках хореографа Юрия Григоровича в 1968 году. Григорович поразил зрителя совершенно выстроенной драматургией, тонкой прорисовкой характеров главных героев, искусной постановкой массовых сцен, чистотой и красотой лирических адажио. Он назвал свое произведение «спектаклем для четырех солистов с кордебалетом» (кордебалет - артисты, занятые в массовых танцевальных эпизодах). В роли Спартака выступил Владимир Васильев, Красса - Марис Лиепа , Фригии - Екатерина Максимова и Эгины - Нина Тимофеева. Кардебалет был по преимуществу мужской, что делает балет «Спартак» единственным в своем роде.

Помимо известных прочтений «Спартака» Якобсоном и Григоровичем, существует еще около 20 постановок балета. Среди них версия Иржи Блазека для Пражского балета, Ласло Сереги для Будапештского балета (1968), Юри Вамоша для Арена ди Верона (1999), Ренато Дзанеллы для балета Венской государственной оперы (2002), Натальи Касаткиной и Владимира Василёва для руководимого ими Государственного академического театра классического балета в Москве (2002).