Основоположником русской. Конспект урока музыки на тему "Михаил Иванович Глинка

Цитаты : 1. Неусыпный труд препятствия преодолевает. 2. Науки юношей питают, Отраду старым подают… 3. В общении все дни проходят наши, но искусство общаться - удел немногих… 4. Везде исследуйте всечасно, Что есть велико и прекрасно. 5. Природа весьма проста; что этому противоречит, должно быть отвергнуто. 6. Ничто не происходит без достаточного основания. 7. Неусыпный труд все препятствия преодолевает.

Достижения:

Профессиональная, социальная позиция: Российский ученый, химик, физик, математик и поэт.
Основной вклад (чем известен): Он был основателем российской науки, создателем первой лаборатории, основанной на западных научных традициях, а также ученым, который внес значительный вклад в развитие русского языка.
Вклады: Михаил Васильевич Ломоносов — русский полимат, ученый и писатель, внесший важный вклад в литературу, образование и науку.
Наука
Он считается основоположником русской науки. Он совершил много важных открытий и основал научные лаборатории на основе западной научной традиции.
Его химические и физические работы характеризуются упором на использование атомных и молекулярных видов объяснения. Он опубликовал работы критикующие теорию флогистона и предложил закон сохранения масс. В своих опытах он предвосхитил современные принципы механической природы тепла и кинетической теории газов.
В 1748 Ломоносов открыл первую научную химическую лабораторию в России.
Разносторонние научные интересы М. В. Ломоносова включали теории электричества и света, создание оптических приборов, минералогию, метеорологию и астрономию. Среди его научных открытий было открытие атмосферы Венеры.
Литература
Ломоносов был также поэтом, заложившим основы современного русского литературного языка.
Он также внес значительный вклад в исследование русского языка, в том числе и в развитие научной терминологии, а также написал, вызывающую споры Историю России.
Позднее он написал Русскую Грамматику и адоптировал тоническое стихосложение, изменив, таким образом, характер русского стихосложения.
При реформе русского литературного языка он выбрал язык являющийся средним вариантом между старославянским языком и разговорной русской речью.
В 1748 году он написал «Риторику», которая стала первой в России хрестоматией мировой литературы.
Искусство мозаики
В 1753 году он основал в Усть-Рудницах первую в России мозаичную фабрику по производству цветного стекла и бисера. Он создал несколько и выдающихся произведений искусства из мозаики, одно из которых -лучший портрет Петра Великого и Полтавской битвы, размером 4,8 х 6,4 метра.
Организаторская деятельность
Он также реорганизовал Академию наук и создал систему высшего образования в России. В 1755 г. он основал Московский университет, который в 1940 году был переименован в Московский государственный университет им. М.В. Ломоносова.
Почётные звания, награды : Действительный член Санкт-Петербургской Императорской и почётный член Королевской Шведской академий наук.
Основные труды: Ода на взятие Хотина (1739), Риторика (1748), Письмо о пользе стекла (1752), Русская грамматика (1755), Русский язык (1757), Рефлексия на прочность и равномерность движения тел (1760), История России (1766), Разговор с Анакреоном (1759 — 61), Гимн Бороде (1757).

Жизнь:

Происхождение: Ломоносов родился в деревне Денисовске расположенной на острове недалеко от Холмогор на Крайнем Севере России. Его отец, Василий Ломоносов, был преуспевающим рыбаком крестьянином, а мать — первая жена Василия, дочерью дьякона Елена Сивкова.
Образование: Он учился в Славяно-греко-латинская академии, в Киево-Могилянской академии и за рубежом в Университете Марбурга (1736-1739) и в Фрайбурге, в школе горного дела (1739-1741).
Оказали влияние: Кристиан Вольф
Основные этапы профессиональной деятельности: В 1741 году он вернулся в Россию и стал пожизненным членом Русской академии наук. В 1761 году он был избран иностранным членом Шведской королевской академии наук.
В 1764 Ломоносов был избран почётным членом Академии наук Болонского института. Он стал профессором химии в Петербургском университете и, в конечном счете, стал его ректором, а в 1764 г. государственным секретарем.
Основные этапы личной жизни: Когда ему было 10 лет, его отец взял мальчика на работу, чтобы тот помогал ему в его ремесле. Но молодой Ломоносов понял, что его главной страстью является учение и что его стремление к знаниям безгранично. В 1730 году 19 летний Ломоносов пешком прошел с Севера России в Москву. Он поступил в Славяно-греко-латинскую академию, ложно утверждая, что он сын священника.
Там, несмотря на издевательства других студентов, которые были гораздо моложе его, он получил чрезвычайно широкое образование. Он завершил 12-летний курс в течение всего лишь пять лет, закончив обучение как лучший студент.
В 1736 г. Ломоносов получил стипендию на обучение в Санкт-Петербургском государственном университете. Он углубился в свои исследования и был награжден грантом для обучения за рубежом, в Германии.
Там он учился в университете в Марбурге (1736-1739) и в Фрайбергской школе горного дела (1739-1741). В университете в Марбурге Ломоносов стал личным студентом Вольфа — видного деятеля немецкого Просвещения.
В 1739 г. в Марбурге он женился на дочери квартирной хозяйки Елизавете-Христине Цильх.
Хотя Ломоносов был человеком огромного таланта, его творческие силы были несколько расстроены его властным и конфликтным характером.
Ломоносов умер в 1765 г. в Санкт-Петербурге в возрасте 53 лет.
Он был похоронен в Александро-Невской лавре, в Санкт-Петербурге, Россия.
Изюминка : Во время учебы в Москве Ломоносов жил на 3 копейки в день и питался только черным хлебом и квасом, но, несмотря на это, он добился значительных успехов в учебе. Согласно некоторым источникам, по дороге из Марбурга он был насильно завербован в прусские солдаты, но сумел бежать из крепости Весели.

М.И. Глинку часто называют «Пушкиным русской музыки». Подобно тому, как Пушкин открыл своим творчеством классическую эпоху русской литературы. Глинка стал основоположником русской классической музыки. Он подытожил лучшие достижения своих предшественников и в то же время поднялся на новую, более высокую ступень. С этого времени русская музыка прочно заняла одно из ведущих мест в мировой музыкальной культуре. Музыка Глинки пленяет необыкновенной красотой и поэтичностью, восхищает величием и ясностью выражения. Его музыка воспевает жизнь. На творчество Глинки повлияла эпоха Отечественной войны 1812г. и движения декабристов. Подъём патриотических чувств и национального сознания сыграл огромную роль в его формировании как гражданина и художника. Здесь – истоки патриотической героики «Ивана Сусанина» и «Руслана и Людмилы». Народ стал главным героем его творчества, а народная песня – основой его музыки. До Глинки в русской музыке, «народ» - крестьяне и горожане, почти никогда не представали героями важных исторических событий. Глинка же вывел на оперную сцену народ, как активное действующее лицо истории. Впервые он предстаёт символом всей нации, носителем её лучших духовных качеств. В соответствии с этим по-новому подходит композитор к русской народной песне. Родоначальник русской музыкальной классики, Глинка определил новое понимание народности в музыке. Обобщил характерные черты русской народной музыки, он открыл в своих операх мир народной героики, былинного эпоса, народной сказки. Глинка уделял внимание не только фольклору (как его старшие современники А. А. Алябьев, А.Н.Верстовский, А. Л. Гурилев и др.), но и старинной крестьянской песне, использовав в сочинениях старинные лады, особенности голосоведения и ритма народной музыки. В то же время его творчество тесными узами связано с передовой западно-европейской музыкальной культурой. Глинка впитал традиции венской классической школы, особенно традиции В. А. Моцарта и Л. Бетховена, был в курсе достижений романтиков различных европейских школ. В творчестве Глинки представлены почти все основные музыкальные жанры, и прежде всего опера. «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила» открыли классический период в русской опере и положили начало её основным направлениям: народной музыкальной драме и опере-сказке, опере-былине. Новаторство Глинки проявилось и в области музыкальной драматургии: впервые в русской музыке он нашёл метод целостного симфонического развития оперной формы, полностью отказавшись от разговорного диалога. Общими для обеих опер являются их героико-патриотическая направленность, широкий эпический склад, монументальность хоровых сцен. Ведущая роль в драматургии «Жизнь за царя» принадлежит народу. В образе Сусанина Глинка воплотил лучшие качества русского характера, придал ему реалистичные жизненные черты. В вокальной партии Сусанина он создал новый тип русского ариозно-распевного речитатива, получившего впоследствии развитие в операх русских композиторов. В опере «Руслан и Людмила», переосмыслив содержание шутливой ироничной поэмы Пушкина, взятой в основу либретто, Глинка усилил эпические черты, выдвинул на первый план величавые образы легендарной Киевской Руси. Сценическое действие подчинено принципам былинных повествований. Впервые у Глинки получил воплощение мир Востока (отсюда ведёт начало ориентализм в русской классической опере), показанный в тесной связи с русской, славянской тематикой. Симфонические произведения Глинки определили дальнейшее развитие русской симфонической музыки. В «Камаринской» Глинка раскрыл специфические особенности национального музыкального мышления, синтезировал богатство народной музыки и высокого профессионального мастерства. Продолжение у русских композиторов-классиков получили традиции «испанских увертюр» (от них - путь к жанровому симфонизму «кучкистов»), «Вальса-фантазии» (его лирические образы родственны балетной музыке и вальсам Чайковского). Велик вклад Глинки в жанр романса. В вокальной лирике он впервые достиг уровня поэзии Пушкина, добился полной гармонии музыки и поэтического текста. Он впервые возвысил народный напев до трагедии. И там самым он раскрыл в музыке своё понимание народного как самого высокого и прекрасного. Фольклорные «цитаты» (точно воспроизведённые подлинные народные мелодии) в музыке Глинки гораздо более редки, чем у большинства русских композиторов 18-нач.19вв. Но зато многие его собственные музыкальные темы нельзя отличить от народных. Интонационный склад и музыкальный язык народных песен стал для Глинки родным языком, которым он выражает самые разнообразные мысли и чувства. Глинка первый из русских композиторов достиг высшего для его времени уровня профессионального мастерства в области формы, гармонии, полифонии, оркестровки. Он овладел самыми сложными, развитыми жанрами мирового музыкального искусства своей эпохи. Всё это помогло ему «возвысить» и как он сам говорил «разукрасить простую народную песню», ввести её в крупные музыкальные формы. Опираясь в своём творчестве на коренные своеобразные черты русской народной песни, он соединил их со всем богатством выразительных средств и создал самобытный национальный музыкальный стиль, ставший основой всей русской музыки последующих эпох. Реалистические устремления были свойственны русской музыке и до Глинки. Глинка же первым из русских композиторов поднялся до больших жизненных обобщений, до реалистического отражения действительности в целом. Его творчество открыло эпоху реализма в русской музыке.

Список основных произведений

Оперы: Жизнь за царя (Иван Сусанин)1836, Руслан и Людмила 1842

ПРОИЗВЕДЕНИЯ ГЛИНКИ ДЛЯ СИМФОНИЧЕСКОГО ОРКЕСТРА: AndantecantabileиRondo(d-moll) 1823, симфония (B-dur, не оконч.) 1824, 2 увертюры (g-moll, D-dur) 1822-1826, симфония на две русские темы (Sinfonia per l"orchestra sopra due motive Russi, закончена и инструментована по наброскам автора В. Я. Шебалиным, 1937, издана 1948) 1834, испанские увертюры - Арагонская хота (Блестящее каприччио на тему Арагонской хоты, Capricho brillante рага gran orchestre sobre la Jota Aragonesa) 1845, испанские увертюры - Ночь в Мадриде (Воспоминание о летней ночи в Мадриде, Souvenir d"une nuit d"ete a Madrid, 1851; в 1-й редакция- Воспоминание о Кастилии, Recuerdos de Castilla) 1848, Вальс-фантазия (первоначально для фортепиано, 1839; оркестровая редакция 1845, последняя редакция 1856), Камаринская (Scherzo. На тему русской плясовой песни, первоначальное название - Свадебная и плясовая, 1848),Польский (Торжественный полонез, F-dur),1855

ПРОИЗВЕДЕНИЯ ГЛИНКИ - ДЛЯ ГОЛОСА С ФОРТЕПИАНО: 80 романсов, песен, арий, в том числе цикл романсов Прощание с Петербургом (слова Н. В. Кукольника) 1840, Записи 17 испанских народных напевов 1845-1846, 1856, романсы на слова А. С. Пушкина, М. Ю. Лермонтова, А. Мицкевича, А. А. Дельвига, В. А. Жуковского и др., итал. арии, дуэттино, канцонетты; вок

ПРОИЗВЕДЕНИЯ ДЛЯ СОЛИСТОВ, ХОРА И ОРКЕСТРА (ИЛИ ФОРТЕПИАНО), КАМЕРНО-ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЕ АНСАМБЛИ, Произведения ДЛЯ КАМЕРНЫХ АНСАМБЛЕЙ И ХОРОВ, ПРОИЗВЕДЕНИЯ ГЛИНКИ ДЛЯ ФОРТЕПИАНО В 2 РУКИ, ПРОИЗВЕДЕНИЯ ДЛЯ ФОРТЕПИАНО В 4 РУКИ, МУЗЫКА К ДРАМАТИЧЕСКИМ СПЕКТАКЛЯМ,ИНСТРУМЕНТОВКА ПРОИЗВЕДЕНИЙ СОБСТВЕННЫХ И ДРУГИХ АВТОРОВ, В ТОМ ЧИСЛЕ РОМАНСЫ

В начале 1835 г. в доме М. Глинки появился молодой человек, оказавшийся страстным любителем музыки. Невысокий, внешне ничем не примечательный, он совершенно преображался за фортепиано, восхищая окружающих свободной игрой и великолепным чтением нот с листа. Это был А. Даргомыжский, в скором будущем крупнейший представитель русской классической музыки. В биографиях обоих композиторов немало общего. Раннее детство Даргомыжского прошло в имении отца неподалеку от Новоспасского, и его окружала та же природа и крестьянский уклад, что и Глинку. Но в Петербург он попал в более раннем возрасте (семья переехала в столицу, когда ему было 4 года), и это наложило свой отпечаток на художественные вкусы и определило интерес к музыке городского быта.

Даргомыжский получил домашнее, но широкое и разностороннее образование, в котором первое место занимали поэзия, театр, музыка. В 7 лет его стали обучать игре на фортепиано, скрипке (позже он брал уроки пения). Рано обнаружилась тяга к музыкальному сочинительству, но она не поощрялась его учителем А. Данилевским. Свое пианистическое образование Даргомыжский завершил у Ф. Шоберлехнера, ученика знаменитого И. Гуммеля, занимаясь с ним в 1828-31 гг. В эти годы он часто выступал как пианист, участвовал в квартетных вечерах и проявлял все больший интерес к композиции. Тем не менее в этой области Даргомыжский еще оставался дилетантом. Не хватало теоретических познаний, к тому же юноша с головой окунулся в водоворот светской жизни, «был в пылу молодости и в когтях наслаждений». Правда, уже тогда имели место не только развлечения. Даргомыжский посещает музыкально-литературные вечера в салонах В. Одоевского, С. Карамзиной, бывает в кругу поэтов, художников, артистов, музыкантов. Однако полный переворот в его судьбе совершило знакомство с Глинкой. «Одинаковое образование, одинаковая любовь к искусству тотчас сблизили нас... Мы скоро сошлись и искренно подружились. ...Мы в течение 22 лет сряду были с ним постоянно в самых коротких, самых дружеских отношениях», - писал Даргомыжский в автобиографической записке.

Именно тогда перед Даргомыжским впервые по-настоящему встал вопрос о смысле композиторского творчества. Он присутствовал при рождении первой классической русской оперы «Иван Сусанин», принимал участие в ее сценических репетициях и воочию убеждался в том, что музыка призвана не только услаждать и развлекать. Музицирование в салонах было заброшено, и Даргомыжский приступил к восполнению пробелов в своих музыкально-теоретических познаниях. Для этой цели Глинка передал Даргомыжскому 5 тетрадей, содержавших записи лекций немецкого теоретика З. Дена.

В своих первых творческих опытах Даргомыжский уже проявлял большую художественную самостоятельность. Его привлекали образы «униженных и оскорбленных», он стремится воссоздать в музыке разнообразные человеческие характеры, согревая их своим сочувствием и состраданием. Все это повлияло на выбор первого оперного сюжета. В 1839 г. Даргомыжский закончил оперу «Эсмеральда» на французское либретто В. Гюго по его роману «Собор Парижской богоматери». Ее премьера состоялась лишь в 1848 г., и «эти-то восемь лет напрасного ожидания», - писал Даргомыжский, - «легли тяжелым бременем на всю мою артистическую деятельность».

Неудача сопутствовала и следующему крупному произведению - кантате «Торжество Вакха» (на ст. А. Пушкина, 1843), переработанной в 1848 г. в оперу-балет и поставленной только в 1867 г. «Эсмеральда», явившаяся первой попыткой воплотить психологическую драму «маленьких людей», и «Торжество Вакха», где состоялась впервые в рамках масштабного сочинения ветрена с гениальной пушкинской поэзией, при всех несовершенствах были серьезным шагом к «Русалке». Путь к ней прокладывали также и многочисленные романсы. Именно в этом жанре Даргомыжский как-то сразу легко и естественно достиг вершины. Он любил вокальное музицирование, до конца жизни занимался педагогикой. «...Обращаясь постоянно в обществе певцов и певиц, мне практически удалось изучить как свойства и изгибы человеческих голосов, так и искусство драматического пения», - писал Даргомыжский. В молодости композитор нередко отдавал дань салонной лирике, однако даже в ранних романсах он соприкасается с главными темами своего творчества. Так бойкая водевильная песня «Каюсь, дядя» (ст. А. Тимофеева) предвосхищает сатирические песни-сценки позднего времени; острозлободневная тема свободы человеческого чувства находит воплощение в балладе «Свадьба» (ст. А. Тимофеева), столь любимой впоследствии В. И. Лениным. В начале 40-х гг. Даргомыжский обратился к поэзии Пушкина, создав такие шедевры, как романсы «Я вас любил», «Юноша и дева», «Ночной зефир», «Вертоград». Пушкинская поэзия помогала преодолевать влияние салонного чувствительного стиля, стимулировала поиск более тонкой музыкальной выразительности. Все теснее становилась взаимосвязь слова и музыки, требовавшая обновления всех средств, и в первую очередь - мелодии. Музыкальная интонация, фиксирующая изгибы человеческой речи, помогала вылепить реальный, живой образ, а это вело к формированию в камерном вокальном творчестве Даргомыжского новых разновидностей романса - лирико-психологических монологов («Мне грустно», «И скучно, и грустно» на ст. М. Лермонтова), театрализованных жанрово-бытовых романсов-сценок («Мельник» на ст. Пушкина).

Немаловажную роль в творческой биографии Даргомыжского сыграло заграничное путешествие в конце 1844 г. (Берлин, Брюссель, Вена, Париж). Главный его результат - неодолимая потребность «писать по-русски», причем с годами это стремление приобретает все более четкую социальную направленность, перекликаясь с идеями и художественными исканиями эпохи. Революционная ситуация в Европе, ужесточение политической реакции в России, растущие крестьянские волнения, антикрепостнические тенденции в среде передовой части русского общества, усиливающийся интерес к народной жизни во всех ее проявлениях - все это способствовало серьезным сдвигам в русской культуре, в первую очередь в литературе, где к середине 40-х гг. складывается так называемая «натуральная школа». Ее главная особенность, по словам В. Белинского, заключалась «в более и более тесном сближении с жизнью, с действительностью, в большей и большей близости к зрелости и возмужалости». Темы и сюжеты «натуральной школы» - жизнь простого сословия в ее неприкрашенной обыденности, психология маленького человека - были очень созвучны Даргомыжскому, и это особенно проявилось в опере «Русалка», обличительных романсах конца 50-х гг. («Червяк», «Титулярный советник», «Старый капрал»).

«Русалка», над которой Даргомыжский работал с перерывами с 1845 по 1855 г., открыла новое направление в русском оперном искусстве. Это лирико-психологическая бытовая драма, ее самыми замечательными страницами являются развернутые ансамблевые сцены, где сложные человеческие характеры вступают в остроконфликтные взаимоотношения и раскрываются с большой трагической силой. Первое представление «Русалки» 4 мая 1856 г. в Петербурге вызвало интерес публики, однако высший свет не удостоил оперу своим вниманием, а дирекция императорских театров отнеслась к ней недоброжелательно. Ситуация изменилась в середине 60-х гг. Возобновленная под управлением Э. Направника, «Русалка» имела успех поистине триумфальный, отмеченный критикой как признак того, что «воззрения публики... радикально изменились». Эти изменения были вызваны обновлением всей социальной атмосферы, демократизацией всех форм общественной жизни. Отношение к Даргомыжскому стало иным. За минувшее десятилетие его авторитет в музыкальном мире сильно возрос, вокруг него объединилась группа молодых композиторов во главе с М. Балакиревым и В. Стасовым. Активизировалась и музыкально-общественная деятельность композитора. В конце 50-х гг. он принимал участие в работе сатирического журнала «Искра», с 1859 г. стал членом комитета РМО, участвовал в разработке проекта устава Петербургской консерватории. Так что когда в 1864 г. Даргомыжский предпринял новое заграничное путешествие, зарубежная публика в его лице приветствовала крупного представителя русской музыкальной культуры.

В 60-х гг. расширился круг творческих интересов композитора. Появились симфонические пьесы «Баба-яга» (1862), «Казачок» (1864), «Чухонская фантазия» (1867), все более крепла идея реформы оперного жанра. Ее осуществлением стала опера «Каменный гость», над которой Даргомыжский работал несколько последних лет, - самое радикальное и последовательное воплощение сформулированного композитором художественного принципа: «Хочу, чтобы звук прямо выражал слово». Даргомыжский отказывается здесь от исторически сложившихся оперных форм, пишет музыку на подлинный текст трагедии Пушкина. Вокально-речевая интонация играет в этой опере ведущую роль, являясь основным средством характеристики персонажей и основой музыкального развития. Даргомыжский не успел закончить свою последнюю оперу, и, согласно его желанию, она была завершена Ц. Кюи и Н. Римским-Корсаковым. «Кучкисты» высоко ценили это произведение. Стасов писал о нем, как «о необыкновенном, выходящем из всех правил и из всех примеров сочинении», а в Даргомыжском видел композитора «необычайной новизны и мощи, который создал в своей музыке... характеры человеческие с правдивостью и глубиной истинно шекспировской и пушкинской». «Великим учителем музыкальной правды» назвал Даргомыжского М. Мусоргский.

Список основных произведений

Оперы

«Эсмеральда». Опера в четырёх действиях на собственное либретто по роману Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери». Написана в 1838-1841 годах.

«Торжество Вакха». Опера-балет по одноимённому стихотворению Пушкина. Написана в 1843-1848 годах.

«Русалка». Опера в четырёх действиях на собственное либретто по одноимённой неоконченной пьесе Пушкина. Написана в 1848-1855 годах. «Мазепа». Эскизы, 1860 год.

«Рогдана». Фрагменты, 1860-1867 годы.

«Каменный гость». Опера в трёх действиях на текст одноимённой «Маленькой трагедии» Пушкина. Написана в 1866-1869 годах, окончена Ц. А. Кюи, оркестрована Н. А. Римским-Корсаковым.

Произведения для оркестра

«Болеро». Конец 1830-х.

«Баба-Яга» («С Волги в Ригу»). Окончена в 1862 году, впервые исполнена в 1870 году.

«Казачок». Фантазия. 1864 год.

«Чухонская фантазия». Написана в 1863-1867 годах, впервые исполнена в 1869 году.

Камерные вокальные произведения

Песни и романсы для одного голоса и фортепиано на стихи русских и зарубежных поэтов: «Старый капрал» (слова В.Курочкина), «Паладин» (слова Л.Уланда в переводе В.Жуковского, «Червяк» (слова П.Беранже в переводе В.Курочкина), «Титулярный советник» (слова П.Вейнберга), «Я Вас любил…» (слова А. С. Пушкина), «Мне грустно» (слова М. Ю. Лермонтова), «Мне минуло шестнадцать лет» (слова А.Дельвига) и другие на слова Кольцова, Курочкина, Пушкина, Лермонтова и других поэтов, в том числе два вставных романса Лауры из оперы «Каменный гость».

Произведения для фортепиано

Пять пьес (1820-е годы): Марш, Контрданс, «Меланхолический вальс», Вальс, «Казачок».

«Блестящий вальс». Около 1830 года.

Вариации на русскую тему. Начало 1830-х.

«Мечты Эсмеральды». Фантазия. 1838 год.

Две мазурки. Конец 1830-х.

Полька. 1844 год.

Скерцо. 1844 год.

«Табакерочный вальс». 1845 год.

«Пылкость и хладнокровие». Скерцо. 1847 год.

«Песня без слов» (1851)

Фантазия на темы из оперы Глинки «Жизнь за царя» (середина 1850-х)

Славянская тарантелла (в четыре руки, 1865)

Дата публикации или обновления 08.08.2017

Творец русской музыки

14 февраля 2013 года исполнилось 200 лет со дня рождения композитора А.С. Даргомыжского (1813-1869 гг.).

Вот почему вместе с М.И. Глинкой Даргомыжский по праву считается основоположником русской классической музыки.

В то время в России западная музыка (главным образом, итальянская) почиталась за образец музыкального искусства.

Даргомыжский же, будучи горячим патриотом своей Родины и русского искусства, стал обращаться в своём творчестве именно к русским интонациям и традициям.

Театральные рецензенты, однако, постоянно обходили Даргомыжского, зачастую упоминая его имя лишь среди посредственных величин музыкального мира, а затем и вовсе перестали писать о его произведениях.

Находясь в состоянии сильных переживаний, Даргомыжский решился предпринять путешествие за границу. И именно здесь он с особой остротой почувствовал свою принадлежность к исконно русским корням. «Нет в мире народа лучше русского, – писал он в письме другу, – и... ежели существуют в Европе элементы поэзии, то это в России».

Александр Сергеевич вернулся на Родину бодрым, восстановившим свои нравственные силы, способным к новым творческим подвигам.

Одно из его крупнейших произведений – опера «Русалка» – была названа большой оперой «в славянском стиле на русский сюжет».

Так, благодаря творчеству Глинки и Даргомыжского появились первые русские оперы, симфонии, романсы, а также сообщества композиторов и учебные заведения, где стали воспитывать профессиональных музыкантов.

М.И. Глинку часто называют «Пушкиным русской музыки». Подобно тому, как Пушкин открыл своим творчеством классическую эпоху русской литературы. Глинка стал основоположником русской классической музыки. Он подытожил лучшие достижения своих предшественников и в то же время поднялся на новую, более высокую ступень. С этого времени русская музыка прочно заняла одно из ведущих мест в мировой музыкальной культуре.

Музыка Глинки пленяет необыкновенной красотой и поэтичностью, восхищает величием и ясностью выражения. Его музыка воспевает жизнь. На творчество Глинки повлияла эпоха Отечественной войны 1812г. и движения декабристов. Подъём патриотических чувств и национального сознания сыграл огромную роль в его формировании как гражданина и художника. Здесь – истоки патриотической героики «Ивана Сусанина» и «Руслана и Людмилы». Народ стал главным героем его творчества, а народная песня – основой его музыки. До Глинки в русской музыке, «народ» - крестьяне и горожане, почти никогда не представали героями важных исторических событий. Глинка же вывел на оперную сцену народ, как активное действующее лицо истории. Впервые он предстаёт символом всей нации, носителем её лучших духовных качеств. В соответствии с этим по-новому подходит композитор к русской народной песне.

Родоначальник русской музыкальной классики, Глинка определил новое понимание народности в музыке. Обобщил характерные черты русской народной музыки, он открыл в своих операх мир народной героики, былинного эпоса, народной сказки. Глинка уделял внимание не только фольклору (как его старшие современники А. А. Алябьев, А.Н.Верстовский, А. Л. Гурилев и др.), но и старинной крестьянской песне, использовав в сочинениях старинные лады, особенности голосоведения и ритма народной музыки. В то же время его творчество тесными узами связано с передовой западно-европейской музыкальной культурой. Глинка впитал традиции венской классической школы, особенно традиции В. А. Моцарта и Л. Бетховена, был в курсе достижений романтиков различных европейских школ.

В творчестве Глинки представлены почти все основные музыкальные жанры, и прежде всего опера. «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила» открыли классический период в русской опере и положили начало её основным направлениям: народной музыкальной драме и опере-сказке, опере-былине. Новаторство Глинки проявилось и в области музыкальной драматургии: впервые в русской музыке он нашёл метод целостного симфонического развития оперной формы, полностью отказавшись от разговорного диалога. Общими для обеих опер являются их героико-патриотическая направленность, широкий эпический склад, монументальность хоровых сцен. Ведущая роль в драматургии «Жизнь за царя» принадлежит народу. В образе Сусанина Глинка воплотил лучшие качества русского характера, придал ему реалистичные жизненные черты. В вокальной партии Сусанина он создал новый тип русского ариозно-распевного речитатива, получившего впоследствии развитие в операх русских композиторов. В опере «Руслан и Людмила», переосмыслив содержание шутливой ироничной поэмы Пушкина, взятой в основу либретто, Глинка усилил эпические черты, выдвинул на первый план величавые образы легендарной Киевской Руси. Сценическое действие подчинено принципам былинных повествований.

Впервые у Глинки получил воплощение мир Востока (отсюда ведёт начало ориентализм в русской классической опере), показанный в тесной связи с русской, славянской тематикой.

Симфонические произведения Глинки определили дальнейшее развитие русской симфонической музыки. В «Камаринской» Глинка раскрыл специфические особенности национального музыкального мышления, синтезировал богатство народной музыки и высокого профессионального мастерства.

Продолжение у русских композиторов-классиков получили традиции «испанских увертюр» (от них - путь к жанровому симфонизму «кучкистов»), «Вальса-фантазии» (его лирические образы родственны балетной музыке и вальсам Чайковского).

Велик вклад Глинки в жанр романса. В вокальной лирике он впервые достиг уровня поэзии Пушкина, добился полной гармонии музыки и поэтического текста.

Он впервые возвысил народный напев до трагедии. И там самым он раскрыл в музыке своё понимание народного как самого высокого и прекрасного. Фольклорные «цитаты» (точно воспроизведённые подлинные народные мелодии) в музыке Глинки гораздо более редки, чем у большинства русских композиторов 18-нач.19вв. Но зато многие его собственные музыкальные темы нельзя отличить от народных. Интонационный склад и музыкальный язык народных песен стал для Глинки родным языком, которым он выражает самые разнообразные мысли и чувства.

Глинка первый из русских композиторов достиг высшего для его времени уровня профессионального мастерства в области формы, гармонии, полифонии, оркестровки. Он овладел самыми сложными, развитыми жанрами мирового музыкального искусства своей эпохи. Всё это помогло ему «возвысить» и как он сам говорил «разукрасить простую народную песню», ввести её в крупные музыкальные формы.

Опираясь в своём творчестве на коренные своеобразные черты русской народной песни, он соединил их со всем богатством выразительных средств и создал самобытный национальный музыкальный стиль, ставший основой всей русской музыки последующих эпох.

Реалистические устремления были свойственны русской музыке и до Глинки. Глинка же первым из русских композиторов поднялся до больших жизненных обобщений, до реалистического отражения действительности в целом. Его творчество открыло эпоху реализма в русской музыке.

МОЦАРТ, КАК СИМФОНИСТ

Симфонии Моцарта - важный этап в истории мирового симфонизма. Из 52 симфоний, написанных Моцартом, только 4 – окончательно зрелые, 2 переходные («Хафнеровская» и «Линцская»), а большинство – совсем ранние. Симфонии Моцарта довенского периода близки бытовой, развлекательной музыке того времени. «Хафнер» и «Линцская», полные блеска и глубины, осуществляют целый переворот в области симфонии и показывают метаморфозу стиля Моцарта. В зрелые годы симфония приобретает у Моцарта значение концепционного жанра, складывается как произведение с индивидуализированной драматургией (симфонии D-dur, Es-dur, g-moll, C-dur). Целая бездна отделяет его ранние симфонии – и весь 18 век – от четырёх последних.

Абсолютно классические симфонии Моцарта отвечают всем эпитетам венского классицизма: гармоничность, стройность, соразмерность, безупречная логика и последовательность развития.

Моцартовская симфония полностью лишена даже намеков на дивертисментность, еще вполне свойственную Гайдну, не говоря уже о майнгеймцах. Абсолютная самобытность Моцарта заключается в бурлящей жизненности, эстетической полнокровности создаваемого художественного космоса, что не было присуще даже такому крупнейшему музыкальному драматургу, как Глюк.

Серьёзно повлияли на симфоническое творчество Моцарта, особенно раннее, Ян Стамиц и Христиан Каннабих.

При прочной и ясной австрийской основе, которая сама по себе многонациональна, Моцарт творчески использовал то, что он слышал, видел, наблюдал в других странах. Так, в музыке Моцарта (особенно в сфере мелодии) много итальянских влияний. Ощущаются в ней и тонкие связи с французской музыкой.

В оркестре Моцарта достигнута замечательная уравновешенность групп (четыре партии групп струнных инструментов с недифференцированной партией баса и в основном парный состав духовых инструментов с литаврами). Индивидуально использованы тембры духовых. Флейты часто представлены в оркестре не двумя, а одной партией (например – в трёх последних симфониях); в симфонии Es-dur нет гобоев, в Юпитере – кларнетов, а в лирической g-moll – нет труб и литавр. Кларнет – один из самых древних инструментов – почему-то очень долго проникал в симфонический оркестр. Впервые он был задействован в симфониях мангеймцев, затем его «переняли» Гайдн и Моцарт, но только в своих последних произведениях.

В симфоническом творчестве Моцарта заметно возрастает значение лирического начала, а в центре его художественного мира - человеческая личность (предвосхищение романтизма), которую он раскрывает как лирик и одновременно как драматург, стремясь к художественному воссозданию объективной сущности человеческого характера.

Свою первую симфонию Моцарт сочинил в Лондоне, там же её и исполнили.В 1773 году была написана симфония g-moll. Не та, знаменитая, а небольшая, несложная симфония №25, рассчитанная на маленький оркестр (например, из духовых – только гобои и валторны). В 1778 году – после поездки в Мангейм – была написана Парижская симфония D-dur (К. 297). Симфонии D-dur (Haffner-Sinfonie, K. 375, 1782) и C-dur (К. 425, 1783), написанная для города Линца, были созданы во время «стилевого переворота» Моцарта и ознаменовали переход к новому. «Хафнер» (специально для зальцбургской семьи Хафнер) носит ещё черты дивертисментного стиля. Она возникла из многочастной серенады, откуда были изъяты вступительный марш и один из двух менуэтов. Пражская симфония D-dur (симфония без менуэта, К. 506, 1786) отмечена смелостью и новизной, и, бесспорно, принадлежит к лучшим вещам.

В течение лета 1788 года Моцарт написал три последние симфонии, величайшие его создания в области симфонической музыки, вершины его творчества: симфония Ми-бемоль мажор № 39, в которой на основе танцевальных жанров достигается большая драматическая экспрессия (преимущественно в первой части); симфония соль минор № 40 - наиболее лирическая среди этих трех симфоний; монументальная симфония До мажор № 41, получившая название "Юпитер". Иногда эти три симфонии составляют в цикл, или в триптих, трилогию, рассуждают о «высоком трёхчастном единстве», вплоть до абсурда: Es-dur – первая часть, g-moll – вторая, Юпитер – третья.

Каждая из этих симфоний представляет собой индивидуальный, целостный, законченный художественный организм, обладающий собственными, ему присущими чертами выразительности; а все три симфонии вместе взятые характеризуют богатство и многообразие идейно-эмоционального и образного мира композитора, а также дают яркую и полную картину идей и чувствований своей эпохи.

Симфония Es-dur обыкновенно так и называется – «романтическая симфония»; романтикам она была особенно дорога, они её называли «лебединой песней». Симфония соль минор – поэма скорби – приобрела большую популярность благодаря необычайно искренней музыке, понятной самому широкому кругу слушателей.

Наиболее крупная по масштабам симфония №41 (К. 551) называется «Юпитер» благодаря грандиозному финалу. (Юпитер в древнеримской мифологии – бог-громовержец, повелитель богов, людей и природы, властелин всего сущего.) Симфония состоит из 4 частей: Allegro vivace, Andante cantabile, менуэт Allegretto и финал Molto allegro, причём сонатная форма применена во всех частях, кроме третьей. Показательна эволюция менуэта – бытовой танец становится лирическим и мужественным одновременно. Форма финала являет собою верх конструктивного мастерства: соединение сонаты и фуги, наиболее продуманных и органичных форм, созданных европейской культурой.

Кто является основоположником русской классической музыки Вы узнаете в этой статьи.

Кто является основоположником классической музыки?

– это русский композитор, который является основоположником классической русской музыкальной школы.

Интересно, что родился первый русский классик за границей. Здесь и становилось его музыкальное образование – он обучался игре на фортепиано, инструментовке, вокалу и композиции в странах Германии и Италии.

Также за границей у Михаила Глинки сложилось музыкальное представление о национальной музыке. Он составил несколько музыкальные тем, а они позже вошли в оперу под названием «Жизнь за Царя».

В русском варианте «Жизнь за Царя» имеет другое название — «Иван Сусанин». Опера была поставлена 27 ноября 1836 года и вписана навсегда в историю культуры России. Произведение Глинки подвело итог в развитии музыкального театра, и открыла новые горизонты и вершины искусства музыки в России. С этой даты постановки начинается отсчет славы русской оперы.

Русская симфоническая классическая музыка как абсолютно самостоятельное явление тоже начинается с Михаила Глинки. Его также считают и отцом русского классического романса.

Глинка в своей опере гармонично соединил общечеловеческое и европейское начало. Получив прекрасное образование за границей, он удачно комбинирует глубокие русские страницы с величавыми картинами Польши в опере «Жизнь за Царя», великолепными экзотическими восточными номерами в «Руслан и Людмила», и яркими испанскими увертюрами для симфонического оркестра. Его музыкальные работы прекрасно отражают колорит тех мест, где любил бывать Глинка Италии, Польши, Испании, Кавказа и Финляндии.